Estación Central de Brasil.

En Estación Central de Brasil hay un despliegue de emociones encontradas que son difíciles de sacar de la cabeza al finalizar su visionado. Retrata perfectamente una especie de aventura de dos seres totalmente diferentes pero tan iguales a la vez, cada uno abandonado a lo suyo y buscando solución a los problemas que rodean sus vidas.

Dora (Fernanda Montenegro) es una ex-maestra que se gana la vida escribiendo cartas que los analfabetos le dictan para enviarselas a alún conocido, pariente o familiar; el tiempo y la vida la han vuelto en una mujer solitaria y en extremo dura. Cuando una cliente muere atropellada, Dora se hará cargo de su niño, sin saber que emprenderá un viaje de emociones que la harán reflexionar y encontrarse nuevamente con su ser.

El film denota superficialmente varios problemas sociales que si bien no son perceptibles a la vista, analizándolos profundamente caemos en cuenta en esta verdad. En primer lugar, desde el inicio se va marcando uno de los problemas que más afecta a los países subdesarrollados: el analfabetismo. Desde allí encontramos una especie de denuncia; Dora se gana la vida escribiendo cartas que los remitentes esperan que sean entregadas al correo, siendo esta ex maestra jueza absoluta de quien debe recibir o no tal carta. Se recrea la vulnerabilidad de las personas ante un mal que aqueja a un país completo (aunque seguramente los niveles de alfabetismo han subido después de una década), ellos ingenuos y esperanzados, mientras Dora rígida y aparentemente sin sentimientos.

Tras esto encontramos otros puntos más: el abuso, la explotación infantil, la miseria. Todos estos retratados de manera que aúnan eficazmente el viaje emocional que realizan estos dos seres. Dora tratando de ayudar a un niño que busca a su padre, mientras esta experimenta la sensación de fracaso, de impotencia, vive los recuerdos de una infancia y adolescencia donde la figura paternal brillaba por la ausencia. En Josué, Dora encuentra una compañía: ¿O no es acaso una metáfora de la vida? ¿No estamos todos los seres necesitados de alguien que acompañe nuestro peregrinar durante el ajetreo diario? ¿O no necesitamos de vez en cuando darnos una escapada que consiga recorrer nuestra alma y volver a pensar en el maravilloso o tortuoso ayer? ¿O no somos los seres humanos como náufragos buscando salir de la apatía que encontramos cuando nos topamos sin salida en una isla?

La soledad había carcomido el corazón de Dora, pero la personalidad de Josué, un niño de fuerte carácter que balancea su debilidad interior la hace zambullirse a un manantial de emociones y sensaciones que poco o nunca había tenido.

En Estación Central de Brasil se nos habla de un amor filial sin que este exista explícitamente; una historia de ternura de aparente rigidez, que goza de momentos de tristeza y otros de alegría. Un encuentro de dos seres extraviados en la vida, que buscan algo en común sin que lo sepan ambos. Una aventura retratada de una manera que logra ser inolvidable. Y es que a lo largo de mi vida me he topado con maravillosas historias que me dejan helado tocando mi corazón, y esta se ha sumado a esta selecta lista porque reboza de plenitud emocional y cinematográfica.

Y qué decir de Fernanda Montenegro, que está magistral interpretando a esta dura profesora, denotando una verosimilitud excelente en sus gestos, diálogos y expresiones; notable en su transformación de apático corazón a sensible espíritu (el Oscar de aquel año era suyo y no de esa Paltrow, que pese a que está bien en Shakespeare in Love, no llega a transmitir todo lo que transmite Montenegro en su personaje). Igual de notable está Vinicious de Oliveira, que muestra dulzura y coraje en su interpretación, una actuación infantil que es para elogiar.

Spoiler*** El film tiene uno de los desenlaces mejor logrados en el cine: Dora decide dejar a Josué a cargo de sus hermanos mientras amanece; ella toma el bus y escribe una carta que le dedicará a él. Mientras Josué corre velozmente tratando de descifrar su paradero, Dora expresa todas sus emociones en esa carta, esperando que Josué nunca la olvide, como según ella muchos lo han hecho. Sencillamente sublime***

Estación Central de Brasil tiene una magnífica dirección. Walter Selles aprovecha de manera eficaz su entorno, expresando satisfactoriamente esta historia. La música se luce; pese a cuantiosas repeticiones, su melodía se hace hueco en la mente y con todo logra ser precisa cada vez que entra a escena. Exepcional.

En resumidas cuentas, esta es una película altamente recomendable. Intachable en muchos aspectos, ampliamente disfrutable y con un toque sublime de amor maternal.

Cabe decir que la película fue nominada a dos premios Oscar: Mejor pelicula en lengua extranjera y mejor actriz principal, siendo vencida por La vida es Bella en la primera categoria y por Gwyneth Paltrow en la segunda.

Dos minicríticas: Código Fuente y X men: Primera generación.

Código Fuente

Nota: 6/10

Colter Stevens (Jake Gyllenhaal), es un soldado que forma parte de un programa experimental del gobierno para investigar un atentado terrorista, despierta en la piel de un viajero del tiempo cuya misión es vivir una y otra vez el atentado a un tren hasta que consiga averiguar quién es el culpable.

Con este planteamiento -que de por sí ya es muy atractivo- se presenta Código Fuente, un film de ciencia ficción de gran intensidad, narrado con un tacto justo y elaborado para entretener y emocionar y además llenar de muy buenos momentos la pantalla. La película mueve incansables piezas elaboradas meticulosamente con el objetivo principal de poder conocer el origen del atentado. Y tras esto se involucra en varios asuntos románticos y de los llamados "asuntos confidenciales de estado". La película indaga en los viajes en el tiempo y lo presenta como una alternativa jugosa que se puede utilizar para poder conseguir pistas eficaces sobre algún desastre, pero no plantea la posibilidad de cambiar las cosas escritas, o de altercar el pasado; pero pese a esto, el film permite mostrarnos el "qué pasaría" si cambio el rumbo de la cosas. Código Fuente nos plantea muchas interrogantes, y da pocas respuestas, hasta más de uno se sentirá confundido al terminar su visionado, y es precisamente por un desenlace que peca de facilón y que no está a la altura de lo presentado anteriormente. Las actuaciones están muy bien, en especial Gyllenhaal y Monaghan y sobre todo el contar con una edición notable hace que sea mucho más disfrutable el film.

Código fuente es un film con mucha adrenalina, intensamente narrado y que construye un argumento al que se le pudo haber sacado mucho más provecho, aunque no dudo de la trascendencia que seguramente tendrá en futuras generaciones.

En definitiva muy recomendable.

X men: Primera Generación.

Nota: 7/10

Qué bueno es ir a la sala de cine con pocas expectativas respecto a algún film y salir satisfecho totalmente tras dos horas de película. Eso me sucedió con X men: First Generation.

El film es la pre-cuela de la saga y nos muestra los orígenes de los mutantes y el cómo empezó todo. Básicamente nos plantea una relación de amistad que existió entre el profesor Xavier y Magneto, y el cómo se hicieron rivales.

Soy lo más franco posible y debo decir que la saga de X men siempre me pareció muy floja y que aportaba poco o nada a su género, pero no hay duda que con este film levantó cabeza portentosamente. La película es ampliamente disfrutable; desde el inicio va marcando territorio de buen cine y así trasciende al pasar los minutos; no es otra ñoñería barata que nos venden las productoras en los últimos años, este es entretenimiento fílmico del bueno. Posee un buen guión, un apartado técnico notable, una dirección sofisticada (Vaungh cada vez se luce más) y un elenco actoral que cumple a cabalidad en especial Michael Fassbender, interpretando a Magneto de manera brillante. Aquí encontraremos aspectos positivos, como la amistad (retratada entre Xavier y Magneto) la valentía (por parte de los mutantes, quienes asumen su "rol" en la sociedad) y la determinación (de luchar por los ideales que cada bando sostiene), justificados claro está con otros aspectos negativos, en especial el de la venganza. Son todos estos pequeños ángulos de guión lo que vuelven el film muy decente y entregado.

Esta grandiosa precuela es de lo mejor que he visto en lo que va del año, y créanme una producción de este tipo no es que me atraiga, pero X men: Firts Generation, lo hizo con creces.

TOP 10: Lo mejor del 2004

Un año de gran cine, les dejo mi top.

1.-) ETERNAL SUSHINE OF THE SPOTTLES MIND

"Fantástica obra. Original, maravillosa, emblemática, y única; una excelente muestra de un cine tan bello y rico en profundidad".

2.-) THE VILLAGE

"Un cuento sobre el miedo, una cinta poética que se construye con una supremacía excelsa. Fascinante realización, sorprendente desenlace. De lo mejor de Shyamalan"

3.-) FINDING NEVERLAND

"Una encantadora película, mágica y viva a la vez. Un referente sobre lo que es y no es posible. Preciosa su banda banda sonora".

4.-) LOS CORISTAS

"Maravillosa, graciosa e inteligente historia. Una connotación bastante notable entre cine y música. Enternece".

5.-) YESTERDAY

"Poderosa y poética. Una película dura y preciosa a la vez sobre la ignorancia, la pobreza y la discriminación por una realidad que se desconoce".

6.-) MACHUCA

"Emocionante y maravilloso retrato sobre un niño viviendo en una época complicada. Llama a la nostalgia y a la piedad. Inolvidable".

7.-) MILLION DOLLAR BABY

"Eastwood en estado puro. Gran cinta que se alzó con el Oscar a la mejor película. Sobre realidades imposibles, un film de acierto".

8.-) THE PASSION OF CHRIST

"Polémico, demoledor y angustiante film. Un lado mucho más realista del padecimiento de Jesucristo. Técnicamente maravillosa, moralmente inolvidable".

9.-) MARIA LLENA ERES DE GRACIA

"Retrata una dura realidad con una verosimilitud que anonada. Arriesgada pero con un resultado eficaz. Brillante Sandino Moreno".

10.-) 2046

"Poética y fantástica obra, rebosante de recursos líricos y cinematográficos que la hacen eficiente. Entre el romance y el drama, notable".

Las vuestras?

Amadeus

Milos Forman ha sido uno de los directores más consagrados del séptimo arte, a pesar de que no tenga una extensa filmografía. Basta nombrar dos de sus más laureadas cintas: Alguien voló sobre el nido del cuco (de la que les hablaré en otra ocasión) y Amadeus, para darnos cuenta de la calidad de sus obras y la trascendencia que han tenido a lo largo del tiempo. Hoy me enfoco en hablarles un poco de esta última: Amadeus, película que fue rodada íntegramente en Praga (ciudad natal de Milos Forman).

El film narra la vida de dos personajes importantes dentro de la música clásica, por un lado Antonio Salieri (encarnado por F. Murray Abraham) y el otro, uno de los más grandes y reconocidos compositores de todos los tiempos, Wolfman Amadeus Mozart (en la piel de Tom Hulce). El film cuenta la vida de este último, narrada desde su rival Salieri, tanto en su infancia, su juventud hasta su muerte.

¿Qué hace tan grande este film? Hay muchos aspectos importantes a tener en cuenta en este épico trabajo de Forman. Amadeus narra con una pasión desbordante un espectacular encuentro entre la locura y la genialidad, la culpa y la envidia; logra una brillante ejecución que denota pasión en todo los fotogramas que presenta. Un colosal trabajo envuelto en la fortuna y la gracia de un apartado técnico maravilloso y una música sin igual. Pocas veces se ha visto en el cine una pefecta conjunción entre Cine y Música, aquí el espectaculo cinematográfico no se limita y se entrega al espectador. En Amadeus brilla la narrativa e inventiva de los actos. Su guión fue adaptado de la obra teatral de Peter Shaffer, lógicamente es una mezcla entre la ficción y la realidad, como muchos citan, una leyenda sobre la vida y muerte de Mozart.

EL HOMBRE VS DIOS.

Por un lado tenemos a Salieri, un músico brillante que se entregó a Dios con el objetivo de que este le llenara de sabiduría en el aprendizaje de la música; cuando su deseo es cumplido, no tiene más opción que dedicarse por completo a Dios y ser su más fiel seguidor. La llegada de Mozart aturde sus aspiraciones, la envidia le empieza a corroer, pero logra disimular perfectamente los celos que siente hacia quien decia ser su ídolo. En Salieri encontramos la personificación de un mundo lleno de falsedad y rencor, sus intenciones continuas de perjudicar todo el notable trabajo de su rival lo llevarán después a sentirse deshecho habiéndose atribuido la muerte de aquel magno compositor. En Salieri habita la religión y la hipocrecia, su entrega a Dios y sus constantes cuestionamientos hacia él lo desestabilizarán al grado de importarle en poco el compromiso y pacto que le realizó. Hay mundo de emociones encontradas en este personaje: frustración, desprecio, mediocridad, inferioridad, capricho y varios más. Pero tal vez el lado más contradictorio del asunto es que pese a todo "el daño" que le hacía a Mozart, Saliere lo admiraba mucho más de lo que la gente pensaba; lo idolatraba, él mismo decía de Mozart que no conocía a otro como él... Salieri reconocía su talento, pero esa hambre de poder lo cegaba, marcando así su propia condena. Muchos dirán: hay un interesante enfrentamiento entre el bien y el mal en la película, pero no creo que ese haya sido básicamente la premisa, yo más bien lo veo como un espléndido relato sobre la culpa, tomando como ejemplo una leyenda clásica de uno de los genios más ilustres de todos los tiempos.

Por el otro lado nos encontramos con Mozart, quien el film lo describe (y el propio Salieri lo describía) como un muchacho talentoso pero demasiado infantil, hasta ingenuo. Su talento es marcado desde su infancia, y progresivamente siguió triunfando hasta encontrarse con Salieri. El film nos muestra a un Mozart atrevido, arrogante, original, muy talentoso, quebrantador de reglas y quien en ocasiones tuvo que experimentar el fracaso para sobresalir. Sus constantes vicios son tomados muy en cuenta en la estructura del film, con los cuales se moldea su desdicha y sus días finales en la Tierra. Un compositor envidiable, apasionado, lleno de un estilo increíble, provocador de los celos de su más grande rival en lo secreto quien lo acompañaría hasta su muerte.

El film contagia con su bien marcado estilo las palabras que Salieri de anciano escupe sobre su interlocutor (un sacerdote), palabras cargadas de un arrepentimiento imposible, condenadas al exilio y al olvido, tal como él experimenta sus últimos días en un sanatorio mental.

Aquí se abarcan tantos pensamientos posibles; no olvidar la fiel acompañante de Mozart, su esposa y sobre todo el amor hacia su padre que tras su muerte lo pulverizó completamente, punto de inflexión en la historia que nos llevará a un desenlace esperado, pero que cuando llega es simplemente magnético y atrapante.

La película está llena de escenas estupendas: SPOILER: Es magnífica la escena en la que la esposa de Mozart le entrega la partitura de una composición de este a Salieri, sin tachones, una partitura jamás hecha, pero que deja fascinado a Salieri de una manera única. Otra escena inolvidable es aquella en la que Mozart le dicta a Salieri las notas de su última composición, una misa de réquiem justo la noche antes de su muerte; y todo esto acompañado de sus respectivas sinfonías deja en claro el poder enigmático de sus escenas. FIN SPOILER.

No cabe duda que estamos ante una obra cuasi perfecta, llena de virtudes y con una espléndida narrativa. El guión es soberbio y más aún la dirección que Forman plantea, convirtiendo el film en algo muy superior a cualquier espectativa. El apartado técnico, como cité arriba, es de elogiat fuertemente, así como su fotografía y el montaje. Del elenco no me puedo olvidar, pues es el alma de la cinta. Tanto F. Murray Abraham como Tom Hulce elevan hacia lo más alto sus personajes, tal vez sobresaliendo un poco más el primero, con una capacidad actoral maravillosa.

Si tienen la oportunidad no dejen de ver esta maravillosa Obra Maestra. Un film inigualable, magistral, inolvidable.

La película fue nominada a 11 premios Oscar, ganando 8 de ellos (Película, actor principal, director, guión adaptado, sonido, dirección de arte, vestuario y maquillaje).

Canciones de Película: Everybody gonna learn sometimes.

La hermosa canción de este film data de 1980, un single escrito por James Warren y estrenada por la banda pop The Korgis. Para la versión de este film, la canción fue interpretada por Beck, y nos hizo vibrar de emoción al finalizar el visionado de la cinta. La canción cae como anillo al dedo al film. "Todos tienen que aprender algunas veces" es el título en español y nos habla de esas segundas oportunidades que se deben hacer para enmendar los errores del pasado, siempre hay que aprender para poder de una vez salir de los problemas. La canción, un éxito pasado, se hizo aún más popular en la inclusión de esta maravillosa comedia-romántica con bordes fantásticos o casi ciencia ficción. El plano final de Winslet-Carrey en la playa mientras la melodía en el piano empieza a sonar es sublime... La recomendación de hoy. Disfrutenla.

Crítica de Insidious.

Nota: 6,5/10

En Insidious hay terror, pero no es aquel terror que te llena la pantalla de cadáveres, sangre o mutilaciones, esta película sabe cómo llegar al espectador sin la necesidad de recurrir a métodos extremos de tortura, persecusiones asfixiantes o cualquier otro recurso insipiente de las que las peliculas de terror abundan en los últimos años. Aqui se cuenta con un terror psicológico interesante y espeluznante, que termina siendo una abordante experiencia sobrenatural.

La película nos relata la vida de una típica familia americana, un joven matrimonio a quienes uno de sus hijos sufre un severo accidente doméstico y se queda paralizado en cama, los doctores desconocen qué es lo que tiene así que deben esperar hasta que este reaccione; es allí cuando empiezan a suceder cosas muy extrañas en la casa, lo que les llevará a pensar que el lugar está embrujado, sin saber que no es la casa de lo que deben preocuparse.

El film tiene ese toque especial, que al menos a nivel personal busco en un film de horror: ¡Que asuste! La película construye su trama de manera muy precisa en su inicio, luego debe un desarrollo más estricto, y cada vez más intriga, aunque en su desenlace se desinfle grostescamente. Insidious está llena de muy buenas escenas, y como cualquier film de horror la música hace su parte: conecta muy bien. Eso sí, no es lo mismo ver uno de estos films en una tarde veraniega cualquiera con gente a tu alrededor, que verla solo en tu casa a medianoche... ya saben cuál seguramente hace su efecto.

SPOILER:

A mitad o más de la mitad del film sabemos de qué va el asunto: el alma del niño ha dejado su cuerpo y ahora se ha perdido en el "mas alla", ese don de abandonar su cuerpo lo heredó de su padre (Patrick Wilson) aunque este no lo sabe; ahora resulta que es el padre quien debe abandonar su cuerpo para que su alma vaya en búsqueda de su hijo perdido. El punto es que me atrajo bastante esta premisa porque he oido que en varias sectas orientales esto sí ocurre, uno entra en una especie de trance que provoca que tu espiritu viaje por diferentes lugares, y luego como si nada vuelvas a tu cuerpo. Eso es lo que ocurre en Insidious y lo que se explica muy bien, pero esta explicación flojea la película a su final. FIN SPOILER.

Aun asi el film tiene varios puntos a su favor: Los créditos iniciales, las actuaciones protagonistas, muy rescatables el papel tanto de Patrick Wilson como de Rose Byrne (ella aborda su papel de una madre en extremo preocupada con una consición notable). Muy buenas secundarias pese a que el papel de la madre de Wilson (interpretada por Barbara Hershey) lo sentí que fue puesto con pinzas, el resultado final te deja helado. Se nota el toque del director de Actividad Paranormal, sabe cómo estremecer en el momento más inesperado y despejar dudas cuando no las hay: impacienta, aqueja y agobia.

No sé si estoy ante de uno de los mejores films de horror en los últimos años, pero hay que decir que cumple con su objetivo principal. Muy recomendable, especialmente desen el gusto de verla en el cine donde seguramente la experiencia será mucho mejor...

(500) days of Summer.

Las comedias románticas siempre han sido uno de los géneros más utilizados dentro del cine, especialmente el comercial, y dado a ser un género masivo, muchas veces se ve limitada las buenas propuestas, y la mayoría de los largometrajes que salen a la luz dejan mucho que desear, tocándose con típicos clichés, historias que desde el primer instante ya sabes cómo terminarán o personajes estereotipados que ya cansan. Es difícil encontrar una buena comedia romántica, pero la que hoy reseño es una de esas que es imposible no amarla, o al menos para mí lo fue.

En 500 days of summer nos encontramos con la historia de Tom, un muchacho que vive una vida normal, tiene un empleo en el que puede decir que está cómodo, unos amigos con quien pasarla bien, etc., pero todo cambia cuando conoce a la nueva secretaria del jefe de su trabajo, Summer, una muchacha que será quien le robe su corazón y con quien vivirá un idílico romance.

Esta no es la típica comedia romántica que podemos encontrar en cualquier videoteca. 500 days of summer es una bella y poética historia entre personas que viven un romance atípico y está cargada de etapas que ambos gozarán y sufrirán. Con una dirección moderna, atractiva y lujosa, nos introducimos a la historia de un desamor marcado desde su comienzo. Tom ama a Summer, y Summer ama a Tom, viven una relación como cualquier pareja, pero no lo etiquetan, no son novios, son solo "amigos".

El film indaga con tono divertido el personaje tan extraño de Summer, una mujer encantadora, curiosa, impulsiva, y que a veces no sabe ni tiene idea de sus emociones. Tom, esclavo y enamorado de ella, vivirá una esperanzadora ilusión que acabará atormentándolo y al final devolviéndole la vida. La película engancha desde el comienzo, su rara expresividad y forma de mostrarnos los hechos en especie de rompecabezas es sublime. La construcción del romance entre Tom y Summer está realizado con una precisión enorme, cargada de escenas que roban el aliento; y aun brilla más en esos momentos en los que se quiebra la magia del romance, en especial por Summer quien a veces es como una desconocida y extraña para Tom. Y es este último en quien depositamos nuestra mirada, quien sufre su amor imposible por ella, mientras ella despierta una mañana y todo le resulta distinto.

SPOILER: Entre otras cosas el film también invita a reflexionar especialmente el entorno de Tom y sus talentos, él estudió para arquitectura, pero trabaja de manera excelente en una empresa dedicada a hacer tarjetas de felicitaciones, algo que no lo llena totalmente o digamos que lo llena e medias; entendemos que se ha limitado y está estancado, pero gracias al apoyo mínimo pero vital de Summer (solo bastan unas palabras) logra salir de allí y emprender algo que verdaderamente lo satisface. Otro punto interesante a analizar es la postura de Summer, definitivamente es incomprensible su accionar, lógicamente odia los compromisos, pero termina casándose con alguien a quien recien conoce y le da "eso" que nunca encontró en Tom. Llego a pensar que ella nunca estuvo enamorada de Tom, solo fue digamos "un capricho" que se esfumó de repente, el film no lo presenta de una manera obvia, pero es entendible en cierto modo mi pensar (ya se imaginan, me ha tocado atravesar esa situación, es más creo que alguna vez todos hemos sido Tom Hassen :/). FIN SPOILER.

Pese a sus cuestionamientos (como el hecho de decir que hay escenas que sobran), 500 days of summer es un film real, moderno, gracioso y único. ¡Cómo me rei con su primer visionado! y cómo lo sigo haciendo cuando a veces, a excusas de no tener algo bueno que ver, tomo el DVD y me entretengo con esta reflexión tan interesante y para nada noña del desamor.

El guión está lleno de originalidad (incluyendo referencias a la cultura actual: The Beatles, The graduate, El Nouvelle vague, The Smiths, etc.). Las actuaciones están excelentes, dotados de una química protagónica brillante, en especial una entrega total por parte de Joseh Gordon Lewitt. Y la banda sonora acompaña a la perfección el desarrollo de la historia, llena de canciones que deleitan el oído.

El director debutó con este film y le ha saliÓ una obra redonda, muy relevante en el cine contemporáneo; cabe la frase: "de las mejores óperas primas de la década anterior". Uno de los recursos que se utiliza aquí y que me pareció excelente es la pantalla dividida, que cayó perfecta en el momento oportuno, no soy muy adepto de que se use este tipo de herramientas, ya que hay algunos directores que plagan de este recurso el film en momentos o escenas que no vienen al caso. 500 days of sumer es un film de esos que al terminar lo odias o lo amas. Para nada pedante como por ahi llegué a escuchar alguna vez. Una sabia contribución al cine de este género. Recomendadísima.