Crítica de "Mejor no hablar de ciertas cosas".

 

 6/10

De que el cine ecuatoriano ha tomado un fuerte impulso en los últimos años es una realidad que no se puede tapar con un solo dedo. Ya atrás quedaron los años en los que solamente un par de films eran producidos anualmente y uno que otro lograba obtener un éxito moderado. Desde hace unos cinco o seis años la industria cinematográfica ecuatoriana ha recibido un gran empuje y ahora cada vez más se abren puertas, ventanas o caminos para que las diferentes propuestas pueden llegar a tener luz. Esto ha pasado con la reciente película de Javier Andrade "Mejor no hablar (de ciertas cosas)", obra nacida y creada en territorio costero del Ecuador que ha recibido halagos internacionalmente y es la representante de este país de cara a los Oscar del próximo año.

La película se centra en la vida de Paco Chávez quien lleva una vida decadente y encantadora en la costa del Ecuador. Esa vida la impulsan las drogas y el romance eterno e ilícito que tiene con Lucía, su novia del colegio, ahora casada con otro hombre. Una noche, Paco y su hermano menor Luis, un músico de punk fuera de control, entran a la casa de sus padres para robarse un caballo de porcelana para empeñarlo y conseguir drogas. Su padre los descubre y se arma una pelea violenta en la que todo el mundo pierde los cabales. Las consecuencias de esa pelea perseguirán a los hermanos para siempre y cambiarán la vida de todos a su alrededor.

Las consecuencias de una noche frenética dirigidas por los impulsos de conseguir placer a base de lo ilegal serán gigantescas para dos hermanos nacidos y criados en el pudor de una familia aristocrática de Ecuador. Andrade en su película nos sumerge a una odisea de emociones intensas, capaces de atrapar con mucho énfasis lo que se cuenta en este crudo relato. "Mejor no hablar de ciertas cosas" es una película dotada de vida y mucha realidad, una realidad que aqueja y se siente hiriente, que palpita sudor y miedo a borbotones, un miedo a lo desconocido, un miedo a la aventura, un miedo a experimentar los sueños, un miedo a las realidades que se crean aunque no se las desee. En la película Paco nos va narrando su vida y cómo ha llegado a un punto culminante en el que todo a su alrededor es una fachada de lo que nunca soñó. Nos cuenta cómo su familia vive de las apariencias mientras él y su hermano se hunden en el vicio, la corrupción y problemas de distinto índole. El film habla de relaciones familiares quebantadas donde la búsqueda por la imagen y la estética predomina antes que los propios valores. Para ello somos invitados a contemplar el destino de los dos hermanos (el otro se llama Luis) tras la muerte de su progenitor. Paco se hunde en la depresión y pese a obtener algo que siempre quiso (su unión y convivencia con el amor de su vida) se ve pronto atrapado en un mundo en el que reconoce no saber a dónde ir. Paco no tiene nada claro, vive a la deriva. Luis, por su parte, es todo lo contrario. Tiene determinación, tiene sueños, y lucha por cumplirlos aunque los maneras no sean los mejores. Es impulsivo, sí, y muy desarmado. Descontrolado, egoísta, mal hablado y destructor. Son de personalidades opuestas y Andrade trata de hacernos comprender y matizar la importancia de esto.

"Mejor no hablar de ciertas cosas" también retrata otros tipos de males de la sociedad contemporánea en el país, donde la corrupción ligada a la delincuencia son casi pan de cada día. Lo notable de este punto es que su director lo envuelve en una interesante capa que logra no palpar la manipulación en ningún momento. También la música cobra vital importancia (aunque a veces pareciera exagerada y estirada en demasía) dotando de músculo a una cinta donde las letras acompañadas de la melodía saben a gloria. La música se transforma en ese consuelo vital a almas ahondadas en el delirio y la melancolía. Andrade opta por diversos ritmos sin centrarse en un mundo especial. Retuerce a la audiencia sumergiéndola en los compaces de las guitarras, ya sean tocando punk o algún bolero interesante.

Si de algo hay que culpar a la película es de ciertas irregularidades a la hora de conectar todo; llega un momento en el que existe la sensación de relleno (ya lo advertía arriba) y eso provoca una desconexión a una propuesta interesante. Con ello no indico que la película se vaya a pique, no, pero es un problema evitable. Ciertas obviedades también saltan a la palestra cuando deberían no profundizarse. Sufro un poco (en el no tan buen sentido de la palabra) con ciertas historias que no terminan de llegarme del todo una vez dado el mayor punto de inflexión, y esto quizás ocasionado por la incapacidad de ciertos intérpretes de conseguir que sus personajes trasciendan sobre sus ¿mal dibujados? personajes. Victor Aráuz es la mayor sorpresa del trabajo actoral, su actuación es deslumbrante, y aunque está ayudado porque su personaje es el mejor descrito de todos, consigue lo que se propone. 

Luego está el desenlace que da para mucho tipo de polémica, pero pese a ello y lo que se pueda decir o criticar debo decir que me parece interesante el tono del mismo, creo que se percibe cierta sátira al mundillo político y la manera de rodarse es notable. Digo, el film se permite ciertas "licencias" para llegar a este final, se notas ciertas costuras, pero aun con ello, resulta ampliamente confortante.

La fotografía recurre mucho a colores opacos, dándole importancia a la opacidad de la vida de sus personajes, aunque cobra vida en los momentos más enérgicos (conciertos, fiestas). Destacar además un buen trabajo de montaje.

Mejor no hablar de ciertas cosas se expresa como una película que desafía lo establecido. Destaca su introspección con cierto tono satírico a la alta sociedad ecuatoriana. Su final, quizás demasiado extraño para algunos, incluso ridículo, refuerza esa sensación. Habría que verla para comprobarlo en definitiva. 

Top 5: Lo mejor de Meryl Streep.

Para muchos la mejor actriz viva de la historia del cine. Un ícono y una leyenda viviente. Con 64 años ha sabido crear un historial delante de las cámaras bastante atractivo que incluyen grandes papeles protagonistas como secundarios de lujo, que la han consagrado al estrellato. Y aun así sigue erigiendo con gran destreza una infinidad de personajes, todos lúcidos. Meryl ha cosechado tres premios de la Academia, ocho Globos de Oro y dos premios BAFTA, entre otras distinciones. Aquí he seleccionado los papeles que particularmente me parecen un poco más por encima de todos, aunque en realidad tiene tantos que ha sido un trabajo difícil.

5.) Silkwood

Meryl Streep personifica a una mujer inteligente, graciosa, fuerte y luchadora llamada Karen Silkwood. Basada en una increíble historia real, Streep dota una de sus más hondas y humanas interpretaciones capaz de seducir al espectador por su entrega y determinación a la causa. Incansable papel que le desbordó en multitud de elogios. Quienes no la hayan visto ya tienen otra cinta a apuntar.

4.) Las Horas.

Interpreta a Clarissa Vaughan, una mujer decidida pero con muchos miedos, que vive en el recuerdo, ahogada en la melancolía de un amor del pasado. Madre y amante. Meryl consigue emocionar en uno de sus papeles más dramáticos junto a otras dos fabulosas actrices (Nicole Kidman y Julianne Moore), fantástica interpretación llena de matices que le valió numerosos premios.

3.) La Duda.

Interpretando a la estricta directora de escuela, hermana Aloysius, Meryl realiza una de sus más feroces actuaciones; devorando la pantalla con fiereza firma con asentado sentido de posesión una especie de mujer sobreprotectora y abusiva con dudas, capaz de someter lo indomable. Otra actuación de aplausos.

2.) La decisión de Sofía.

Con esta interpretación consiguió su segundo Oscar y el primero como protagónico. Streep realiza una de las performance más desgarradoras que se hayan filmado. Conmueve al público al retratar el devastador pasado de Sophie Zawistowska. La manera en que dirige su personaje con una delicadeza y fuerza admirable la selló como una auténtica actriz de armas tomar. ¡Sobresaliente!

1.) Los Puentes de Madison.

Quizás exagere este primer lugar pero es la actuación de Meryl que más me ha llegado. Interpreta con una desenvoltura magistral los anhelos y padecimientos de una ama de casa acostumbrada a la monotonía que de un momento a otro empieza un nuevo despertar sentimental y sexual. Imprime veracidad a cada gesticulación, domina el temple y los diálogos sintiendo cada palabra, controlando sus emociones. Difícil personaje realizado con maestría. La escena final bajo la lluvia es ya un clásico mismo en las cintas románticas. 

¿Cuál es el vuestro?

Crítica de "Rush".

8/10

"Una vez que se conoce el peligro, no se puede vivir sin él." David Purley.

Muchos admiramos el trabajo de los pilotos de Fórmula 1. Corredores natos, con adrenalina recorriendo sus cuerpos que viven al límite cada carrera con el desafío de superarse a sí mismos y complacerse a través de lo que más les emociona. Cada carrera es diferente, cada Gran Premio es una historia que contar. Hubo una época donde los pilotos no contaban con toda la seguridad que existe el día de hoy, y el riesgo de muerte en carrera era mucho mayor. El mundo contemplaba atónito la muerte de quien a posterior se convertiría en un mito para los seguidores de este deporte: Ayrton Senna. El brasileño fue uno de los grandes nombres que surgieron en este deporte a inicios de los ochenta, pero que se vio consagrado como campeón a finales de la misma década. Hace poco contemplamos su vida en el documental “Senna”, de Asif Kapadia y pude percatarme que Hollywood de una u otra manera se ha volcado a retratar el mundillo que encierra este enigmático deporte. La última propuesta es “Rush”, de Ron Howard, que narra la rivalidad acaecida entre James Hunt y Niki Lauda durante la temporada 1976.

No quiero detenerme a analizar los pormenores de su fidelidad a la historia, la veracidad como tal de la cinta, sino más bien a su “puesta a punto” como producto cinematográfico. Y es que situándolo de este modo, “Rush” es explosiva, un film altamente entretenido que recorre a ritmo violento la vida de estos dos héroes del automovilismo y engalana con una excelente puesta en escena su travesía en una turbulenta temporada. Howard pone en su película el punto de vista de ambos pilotos, somos sus ojos y sus oídos; analizamos de a poco el avance que van conduciéndolos al éxito y a una rivalidad que iniciaría desde la Fórmula 3. Lo maravilloso de esta película es que no está dirigida únicamente a un grupo de aficionados al sector formulístico, por el contrario, Howard ha construido un producto apto para todas las masas, que disfrutarán a un ritmo vertiginoso las hazañas de sus protagonistas.

Definirlo como un biopic me parece desacertado, es más bien la mirada a una época bastante oscura en la Fórmula 1. El constante toqueteo a la muerte que recorre al film desde el mismo inicio hace sentir el pavor que muchos pilotos percibían; era un deporte de sacrificio en el que los corredores al subirse al bólido iban con la certeza de que podría ser su última carrera. Es aquí donde florecen dos mundos diferentes. James Hunt vivía de acuerdos a sus propias reglas, era un rebelde por naturaleza, amaba andar al límite en su vida diaria, cosa que lo transmitía a la pista, siendo un piloto sumamente rápido. Niki Lauda era un antónimo total para Hunt; él era disciplinado, de mayor fortaleza mental, vivía su vida sin excesos y trataba, pese a parecer algo fuera de lugar, no poner su vida a riesgo. Lauda y Hunt estaban destinados a ser enemigos dentro de la pista, pero tampoco tuvieron una buena relación lejos de ella. De esta manera Howard nos invita a la construcción de su película con un inicio algo lento pero necesario para poco a poco zambullirnos en la frenética vida de ambos pilotos.

“Rush” ejerce como un tónico emocionante a los adictos a la velocidad, y en toda su forma nace una reflexión sobre la vida misma, las segundas oportunidades, el riesgo por el que todos atravesamos independientes a nuestra profesión. Howard sabe que los pilotos no son más humanos que cualquiera; tienen miedo, pero lo saben dominar. Y a través del increíble accidente de Lauda, que casi lo deja sin vida, se experimenta y se palpita la sensación de lucha interior que éste oferta al ver cómo su máximo rival sigue conquistando triunfos. “Rush” retrata el éxito más allá de un simple y acartonado título, poniendo la existencia como el mejor triunfo para cualquier hombre. El plano emocional que recorre el film no se siente como un sentimentalismo barato, al contrario, llegados a esta parte se ha puesto un fundamento serio y radical que facilita la introducción a la parte más sensible de la película sin parecer desentonada. Por esto y más, “Rush” es necesaria, y no solo como producto de entretenimiento, sino como una exaltación a la vida.

Técnicamente es una maravilla. Anthony Dod Mantle (director de fotografía) utiliza una combinación acertada de colores y tonos para diversos momentos de la cinta: así los colores fríos retratan los momentos más sensibles del film, y por supuesto expresan la oscuridad de ciertas carreras; y en otros momentos hay mucha viveza y brillo. Fascina el despliegue del sonido en el film así como su montaje y por supuesto su banda sonora (otro gran trabajo del siempre efectivo Hans Zimmer). Y aunque el guión es bastante correcto, la mano de Howard lo eleva por la cima. Interpretativamente hablando, soberbias actuaciones de Chris Hemsworth y Daniel Bhrül, ambos se compenetran en sus personajes y se convierten en esos pilotos que desafiaban la muerte. Cierto es que algunos personajes sobran, pero aun así, se mantiene la sensación de haber disfrutado una película brillante en muchos sentidos.

"Rush" es extrema, va al límite, indaga y muestra con acierto vidas paralelas opuestas. Se agradece este acercamiento interesante y necesario a una turbulenta era. No te quedes en la salida... ve a verla.

Melodías de película: La vida es bella.

Una de las historias más conmovedora, triste y a la vez hermosa de los años noventa tiene también una exquisita banda sonora, que es capaz de transportarnos y hacernos vibrar con cada una de sus melodías, me refiero a "La Vida es Bella" de Roberto Benigni. Este clásico contemporáneo que ha cosechado fama internacional y ha sido vista por millones alrededor del globo nos ofrece una magnífica historia de amor desde dos ópticas, el amor romántico y el amor paternal. La música confiere un toque de humor y alegría al film, aunque en los momentos más duros sabe mantener ese halo mágico característico. Las piezas de Nicola Piovani conquistan y enamoran. Les dejo los cuatro temas que más me gustan de este precioso film. 

Crítica de "Europa Report"

 7/10

Son seis, tripulan una nave que empieza la búsqueda de vida de otro tipo en "Europa", una de las lunas de Júpiter. Así, y de esta manera, Sebastián Cordero nos introduce ante una película pura de ciencia ficción, dotada de fuerza en muchos aspectos donde se conjugan la tensión y el miedo a lo desconocido para brindar una gran obra del género.

Si algo me llamó la atención de esta película es que la dirige Sebastián Cordero, un director que siempre ha preferido los dramas sociales como fuente de expresión artística y cinematográfica a cualquier otro género. En 1999 debutó con "Ratas, ratones y rateros", un excepcional film ecuatoriano que narra las vidas de Angel y Salvador en el mundo delicuencial. La película obtuvo, entre otros reconocimientos, nominación al Goya a mejor film hispano. "Crónicas" la dirigió cinco años después y en ella exponía un relato crudo sobre uno de los acontecimientos más noticiosos a inicios de la década pasada en Ecuador, sobre un hombre que abusaba de niñas y niños para posteriormente asesinarlos. El tino para dirigir tan escandolosa premisa y no hacerla parecer burda y grotesca lo consagró como un director sensible ante propuestas difíciles y que sabía abordar temas peliagudos con gran desenvoltura. "Rabia" (aquí la crítica) en el 2010 le abría las puertas al mercado español, dirigiendo una historia que mezclaba el drama con la intriga y el romance de manera seductora y muy atractiva. En "Pescador" (2012) volvía a sus raíces a enfocar el viaje de un hombre hacia u destino incierto, con la droga como medio de impacto argumental. Ahora en el 2013 llega a Hollywood de la mano de un potente thriller de ciencia ficción que ha cosechado críticas mixtas, pero superando la media y cumpliendo las expectativas.

Su aventura por la ciencia ficción me merece de un inusitado interés, y creo que para debutar en el género lo ha hecho con creces. La película es explícita en los detalles y nos transporta hacia la nave para presentar el día a día de la tripulación (conformado por Sharlto Copley, Michael Nyqvist, Daniel Wu, Anamaria Marinca, Christian Camargo y Karolina Wydra), así cómo presentar cómo los astronautas y todo el equipo luchan para mantener la misión a salvo ante el advenimiento de un sinnúmero de problemas típicos en cualquier misión espacial. El film de Cordero se sostiene porque consigue empapar de intriga al espectador desde el mismo inicio, no aburre y no ofrece conjeturas, nos mantiene enganchados hacia el final, rebosantes por saber más. Y aunque el desenlace peca de previsible (en realidad ciertos momentos llevan el síntoma) la película vale mucho por arriesgarse y estar tan ligada a la realidad. Cordero consigue que cada uno de los intérpretes entreguen más de sí. Encerrados en una nave, el film se percibe como un thriller psicológico y claustrofóbico, y cada personaje mantiene sus matices, haciendo en conjunto un agradable reparto coral, sobre todo real. La dirección de actores es loable. "Europa report" representa el ascenso y la caída del hombre, como un ser que ha conquistado el espacio pero que elementos ajenos y egoístas lo vuelven vulnerable ante lo nuevo y sin capacidad de adaptación. El hombre desea descubrir, desea lanzarse ante el lado oscuro, allá en las tinieblas, pero una vez conquistado, el miedo se hace latente y empieza a generar destrucción. ¿Estamos preparados para una aventura de tan gran envergadura? Planteemoslo dos veces.

 Acompañado de una puesta en escena asombrosa y un apartado técnico muy elogiable, considerando el presupuesto con el que está realizada, "Europa Report" constituye una película de género pequeña pero poderosa; ojo que el montaje se puede volver algo lioso y difícil de llevar, pero aun así construye la tensión necesaria. Mención aparte la gran banda sonora y el excelente reparto (todos notables, en especial Anamaria Marinca).

Top 10: Óperas primas

Un listado con las 10 mejores óperas primas que he visto.
De aquí se han consagrado grandes directores.
Totalmente subjetivo, pero confieso que aun debo ver grandes títulos que bien podrían entrar aquí.



10.) DAS LEVEN DER ANDEREN (Florian Henckel von Donnersmarck)

Espléndida historia sobre un héroe anónimo. Recreación magnífica de la soledad y la tragedia que embebe con su frialdad y potencia la pantalla dejando huella tras su visionado. Ulrich Mühe impresiona y emociona.

9.) AMERICAN HISTORY X (Tony Kale) 

Brutal y demoledora historia sobre el racismo y las segundas oportunidades. Kale consigue plasmar su visión sobre un hombre dispuesto a la redención, a un precio muy alto. Norton jamás ha estado mejor. La película deja extasiado y perturbado a más de uno. Un prodigio.

8.) WHO'S AFRAID OF VIRGINIA WOLF? (Mike Nichols) 

Una de las mejores películas de carácter teatral llevadas al cine. Intenso y apabullante juego de desafortunados desencuentros entre un matrimonio en crisis. Apasionante. Taylor y Burton brillan. El despegue de Mike Nichols.

7.) AMORES PERROS (Alejandro González Iñarritu) 

La primera película de una de las trilogías más alabadas de la década pasada. Iñárritu entrega una cinta sobre frustraciones, decisiones y amor. Combina los deseos más oscuros del ser humano con el despiadado destino al que los personajes se sumergen. Intenso y brillante. Maravillosa.

 6.) RESERVOIR DOGS (Quentin Tarantino) 

Tarantino se dio a conocer con esta magnífica historia que da atisbos inmensos de su genialidad. Una grotesca, violenta, entretenida e inteligente historia que nunca sucumbe en su vertiginoso ritmo y en la aparición de diferentes personajes capaces de llevar el relato a la gloria. Impresionante.

5.) 12 ANGRY MEN ( Sidney Lumet)

Una de las cintas más intensas que se han filmado. Mantiene la intriga y el interés desde el mismo inicio hasta su desenlace. Una historia que habla más de lo que aparentemente puede ofrecer, y todo en cuatro paredes. Mordaz crítica a la sociedad estadounidense de aquellos tiempos. Un clásico imprescindible.

4.) THE SHANKSWAK REDEMPTION (Frank Darabont) 

Quizás, la mejor historia sobre la amistad que se haya filmado. Y es más que eso. Un prodigio cinematográfico, aleccionador, conmovedor y muy emocionante. Un viaje místico hacia la libertad, lleno de matices, y con la voz en off de Freeman que hace el recorrido más placentero. Una auténtica obra maestra.

3.) LES 400 COUPS (Francois Truffaut) 

El film sobre el ser adolescente por excelencia. Una fábula moral sobre la libertad que escarba en nuestra mente y se gana el corazón. Un cuento maravilloso y crudo en el que Truffaut se expresa reacio y condena el modelo de joven que el entorno pretende crear. Otro film imprescindible.

2.) CITIZEN KANE (Orson Welles) 

Welles y su aporte a la cinematografía mundial son palabras mayores. Con este film revolucionó la técnica y el concepto, pero a más de ello brindó un relato sobre el ascenso y caída de un hombre que nunca quiso más de lo que el destino le ofreció. Una fascinante película que queda en los cánones de la historia del cine por su valentía y compromiso; su vanguardia es mítica.

1.) AMERICAN BEAUTY (Sam Mendes) 

Quizás a muchos no les parezca, pero esto, como todo, es algo más que nada subjetivo... y a mí Mendes en esta joya me parece soberbio. La película es una de las más bellas y trágicas historias que se han filmado; poética hasta la médula y con una crítica acentuada al mítico sueño americano, un ataque a la superficialidad que el desafortunado entorno ha creado. Un elenco impresionante y un guión que hipnotiza. Mi ópera prima favorita.

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