Crítica de Stoker (Lazos Perversos)

 

Nota: 7/10

La genética se encarga del estudio de la transmisión hereditaria que se hace de generación en generación, tanto de caracteres físicos como psicológicos. Mucha de ella (la genética) se habla en "Stoker", el último film de Par Chan-Wook (y su primero en ser realizado en territorio norteamericano), aunque no de manera explícita porque el director desea presentarlo sutilmente, pero al final llegamos a comprender que la sangre y esos lazos genéticos mucho juegan aquí.

Mia Wasikowska, una joven actriz que ya se ha ganado un pequeño espacio en la gran pantalla a fuerza de papeles que han explorado bastante una psicología interesante, como el que realizó en "The Kids are allright" siendo la hija de una pareja de lesbianas, o interpretando a la joven Jane Eyre en el film homónimo dirigido por Cary Fukunaga. El punto es que en esta ocasión vuelve a sumergirse en el que haya sido quizás su mayor reto interpretativo. Mia interpreta a India, una joven que en la víspera de su cumpleaños número 18 pierde a su padre en un accidente muy poco explicativo. En su padre, India encontraba a la persona que la entendía a la perfección, ya que desde muy chica aprendió el arte de la cacería junto a él siendo la persona más allegada a ella. Fallecido él no tiene a quien acudir ya que su madre (una resplandeciente Nicole Kidman) vive más interesada en otras cosas que en brindarle la debida importancia a su hija. En el funeral de su padre, aparece inesperadamente un tío que India desconocía, Charlie (Matthew Goode), quien planea quedarse un tiempo considerable en la casa que era de su hermano. 

"Stoker" mezcla el drama psicológico de matices profundos con una atmósfera incesante de intriga y terror. El resultado es cuanto menos atractivo. La película brilla porque Chan-Wook consigue crear con alto nivel de estilismo y una estética sensible y seductora una historia capaz de inyectar adrenalina en momentos claves, y sugerir a base de las escenas propuestas ideas y pensamientos retorcidos que cargan misterio, sensibilidad y un toque infalible de morbo. La película no se centra a hablar sobre el resurgir de una familia tras la muerte de un ser amado, por el contrario ese es el puntal para que se desate una tormenta incomprensible en un núcleo ahora formado por solo dos personas a las que se le agrega un ser misterioso. Habla del paso de la inocencia a algo más oscuro, tétrico quizás. 

"Stoker" es espeluznante porque provoca interrogantes y cuestiones diversas sobre sus personajes, llegando al punto de acabar en el horror y presenciar actos de violencia provocados por la demencia. No se nos cuenta algo novedoso pero Chan-Wook posee una visión extraordinaria del mundo, de un universo sesgado por lo mórbido y lo violento y aquí su talento se pone en evidencia una vez más. Pocas veces lo terrorífico fue retratado con tanto arte como en "Stoker", pero a veces eso no es suficiente y aunque el film posee escenas hermosas realizadas como si de orfebrería se tratase falla en el ritmo y sucumbe a un montaje fatigoso y algo exagerado.

Es interesante notar que la película llegados a un punto se basa de ahí en adelante en la relación de conectividad y afecto que se empieza a crear entre Charlie e India, en ambos se forja una especie de alianza que ellos no son posibles de comprender, pero que es entendido hacia el final cuando muchos secretos son descubiertos, y es entonces cuando muchos detalles (como el hecho de la cacería) toman sentido.

El problema del film lo encontramos en su guión, al que le falta solidez y además peca de obviedades recurriendo a flashback innecesarios cuando muchas cosas se intuyen por sí solas. Descuidó además el personaje de Evelyn Stoker (Nicole Kidman), la madre de India lo cual constituye un desacierto ya que en el film se le brinda una vital importancia y aunque Kidman logra salvar un personaje hundido del que difícilmente comprendemos su psicología, se nota que algo no encaja. Por el contrario se puede observar una creación más que justificada en los dos protagonistas principales de esta obra, refiriéndome a Charlie e India, en ellos sí se percibe un mayor trabajo de evolución. 

A fin de cuentas "Stoker" queda clavada como un puñal, como un obra artística de horror y erotismo dotada de una excelente puesta en escena y un reparto que cumple en sus roles. No tendrá la repercusión mundial ni será acogida por todos porque es un universo de difícil penetración, pero allí, mientras India toca suavemente alguna melodía en su piano, el film nos esperará gustoso para disfrutarlo.

Nobody Knows (Nadie sabe), de Hirokazu Koreeda, 2004

Siempre he creído que el cine debe ser mucho más que un mero entretenimiento. Para mí, el cine es el portal que comunica emociones a distintos niveles, expresa ideas, refuta acciones, lanza críticas, es un espejo de la realidad, o bien de los deseos. Por eso cada vez que me encuentro con películas que buscan más allá de ofrecer un mero divertimento por unas cuantas horas, me detengo a observar las virtudes que en ella se encierran. Claro está que es fascinante descubrir un film capaz de entretener lo suficiente y entregar una excelente reflexión sea cual sea su tema; pero soy amante de ese cine que presenta la vida, su esencia, la cotidianidad de la misma, la sencillez que a veces desborda, o los difíciles y estremecedores hechos que también se producen. Sí, hoy en día existen creadores (directores o guionistas, o ambas cosas a la vez) capaces de ofrecer productos dignos de elogios porque transitan por la humanidad y entregan lo que contemplan de ella sin dar lugar a concesiones. Siempre me he considero un admirador de la reciente (o no tan reciente, vamos) frialdad europea. Austriacos, daneses, rumanos, directores del llamado Viejo Continente que nos han sacudido con historias sórdidas que retratan la dureza de la vida, y tocan temas de complicada disección pero el resultado casi siempre termina (al menos para mí) elogiable. En América Latina  nos encontramos con la ex-dupla Gutiérrez Iñárritu - Arriaga, que antes de su "divorcio por diferencia de intereses" nos brindó una trilogía magnífica sobre la muerte, la comunicación, la religión, el amor. Amores perros, 21 gramos y Babel nos ofrecían el lado de la vida más difícil de ver, más de una vez terminamos ahogados en la depresión porque la dureza de las historias eran transmitidas con mucho arte y mucho realismo. Pero Asia, ese continente de contrastes, también ha contado con grandes nombres tras las cámaras capaces de transmitir la sencillez y dureza de la vida misma. Uno de los contemporáneos es el propio Lee Chang-Dong (Poesía) y otro el que nos respeta en el post de hoy, Hirokazu Koreeda (Kiseki) que hace ya 9 años ofreció una de sus mejores obras, "Nobody Knows".

El film nos cuenta cómo una madre abandona a sus cuatro hijos (hijos de distintos padres) y encarga al mayor de ellos el cuidado de sus hermanos hasta que regrese. Deja un poco de dinero y luego se marcha. Los niños deberán enfrentarse a la vida dura que les tocará afrontar en su desamparo.

"Nobody Knows" desde el inicio anuncia que es un film basado en hechos reales pero sus personajes son ficticios. Desde ese instante muchos quizás puedan echarse para atrás, pero resulta que Koreeda sabe transmitir historias verídicas sin rozar lo absurdo o lo irritante de un asunto tan escabroso como el que esta cinta plantea. Lo cierto es que, "Nobody Knows" es un extraordinario relato sobre el desamparo y la soledad paternal, una película llena de poesía en su metraje y que presenta a su vez una difícil realidad en las sociedades contemporáneas. El film habla sobre la irresponsabilidad parental desde muchos aspectos: una madre que vive más para su novio que para su propia sangre y que para conservar el cuarto del edificio que rentan dos de los niños tienen que ingresar escondidos en las maletas de su madre; a eso se le suma el hecho que ninguno de los niños estudia en la escuela o colegio. Koreeda estudia a los personajes con una sutileza increíble: el mayor, Akira (interpretado magistralmente por Yûya Yagira) tiene el sueño de jugar béisbol pero eso se ve truncado por el temprano llamado a hacerse cargo de sus hermanos. Kioko por su parte (una de las hermanas) observa cómo pasa el tiempo y ve terminadas sus esperanzas de aprender a tocar el piano. Son niños a quienes se les arrebata la oportunidad de ser niños, de ir a la escuela, de disfrutar  de la vida, de hacer travesuras sin importar qué o quién  esté mirando. Deben permanecer en el anonimato, en las tinieblas, no existen para la sociedad, se les quita la identidad. Pero Koreeda no abusa del tratamiento ni cae en explicaciones sosas o melodramáticas, por el contrario todo fluye con un temple equilibrado y un ritmo, eso sí, muy pausado, lento pero elegante. Los niños no entienden qué está sucediendo porque viven de esperanzas, de sueños e ilusiones, que un día su madre regresará; no sufren porque tratan de aferrarse a esa magia que solo en la infancia es posible construir. Akira, quien ya no es niño, sino un adolescente ve forjada en él una constante evolución. Obligado a ser jefe de su hogar y vigilar por las cuentas, los gastos, las compras, etc., se cansa en determinado momento de ser un sirviente más y tratará de disfrutar su adolescencia como siempre lo quiso. Eso conducirá a problemas y poco a poco la relación con sus hermanos pasará a un segundo plano hasta que la vida nuevamente se encargue de hacerlo entrar en razón.

"Nobody Knows" duele por su realismo y por la franqueza de sus hechos. Nada suena a impostado, todo fluye con una naturalidad pasmosa. Hay empatía sí, con los personajes, por su entrega y el compromiso que los pequeños intérpretes ofrecen; ellos crean su propio mundo, su propia vida sin la guía o dirección de los padres, crean sus reglas, se ajustan a sus realidades, tratan de sobrevivir cómo pueden. Aun cuando se presentan los momentos difíciles siguen unidos y con esperanza, una sonrisa siempre está en el rostro de ellos (contrasta con las sensaciones que la audiencia experimentará al presenciar cómo poco a poco los suministros empiezan a escasear). Koreeda ofrece un bocado cinematográfico de altura que salpica el panorama actual (aun hoy es referencia) y expresa con efervescencia su crítica, sencilla pero con alma.

Acompañada de una melodía necesaria en momentos claves que aúnan y refuerzan el concepto de "poético" (siempre le doy una importancia vital a la música o a la no música en un film), "Nobody Knows" brilla por su idea, su planteamiento y el resultado final, comprometido siempre con la realidad, ajustado a hechos, quizás sin presentar a culpables en un 100%, pero que el público intuye y es quien dictamina la última palabra.

Un film precioso que hoy en día vale mucho.

Melodías de película: "Amélie" (Yann Tiersen)

Amélie nos presenta un París alegre, jovial, aventurero, mágico, como salido de la mejor colección de cuentos dignos de leerse para levantar el espíritu acongojado. Sí, el excelente largometraje de Jean-Pierre Jeunet consigue transportarnos mágicamente hacia una ciudad llena de luz, y lo hace con una fotografía excelsa (vaya que sí lo es), pero sobre todo a una partitura exquisita de Yann Tiersen en la que a través de sus notas llenas de optimismo se logra sacarnos alguna sonrisa mientras escuchamos la melodía. Yann Tiersen es un compositor francés que ha acomodado una exitosa carrera con tan solo 43 años por encima (tenía apenas 30 cuando compuso la melodía de la película que hoy hago referencia), un músico que nos ha privado de seguir escuchando su talento a través de bandas sonoras para films en los últimos años, pero reliquias como "Amélie" se atesoran en el corazón.

Piano y acordeón principalmente, pocas veces han sonado tan bien como aquí.
Mi selección particular de los mejore temas de la película.


J'y suis jamais allé

 

À quai

 

La Valse d'Amélie

 

 La Dispute

 

La Valse Des Monstres 

 

Top 5: Lo mejor de Tom Hanks.

Polifacético, mimado, estrella, camaleónico, brillante, leyenda. Son tantos los adjetivos con los que podemos calificar a este actor, para algunos sobrevalorado, para otros (en los que me incluyo) un actor de renombre que se ha ganado a pulso su espacio dentro de la meca del cine y por qué no decirlo, en su historia.

Pese a que sus últimos trabajos no despiertan la efervescencia de sus inicios, su rostro sigue siendo sinónimo de éxito y en la mayoría de los casos como una marca registrada que garantiza, al menos en la mayoría de películas, una historia agradable ya sea drama, comedia u otro género.

Tom Hanks a lo largo de su carrera ha colaborado con grandes directores, desde Spielberg, los hermanos Coen, Zemeckis e incluso Daldry más reciéntemente. Dos oscars en su haber nos avisan que su trayectoria es digna de seguirle la pisada, y hoy les presento a mi consideración sus 5 mejores papeles en la gran pantalla.

5.) La Terminal

Una de sus comedias más infravaloradas. Encarna a Viktor Navorski, un inmigrante balcánico que, al estallar la guerra en su país y quedar anulado su pasaporte, se encuentra involuntariamente exiliado en un aeropuerto de los Estados Unidos. Un personaje que baila entre el realismo, el lirismo de sus acciones, la tenacidad y el ingenio. Admirable en una etapa ya madura de su carrera.

4.) Camino a Perdición

Realiza un trabajo enorme, encarnando al padre comprometido con su hijo y viven juntos una experiencia que se mueve entre la peligrosidad, el sentimentalismo y la paternidad. Una actuación brillante, derrochando frialdad, crudeza y un halo de emoción contenida en la mayor parte del metraje.

3.) Náufrago

¿Quién podría olvidar a su compañero fiel? Sí, a Wilson. Hanks interpreta maravillosamente a este ser solo, anclado en la nada, perdido en un paraíso junto a su pelota fiel. Una actuación genial, emocionante, vívida, enérgica, apasionante. Hanks hubiese cosechado su tercer Oscar si el gladiador romano de Crowe no alzaba su espada aquella noche de Marzo. Una interpretación inolvidable.

2.) Forrest Gump

Quizás sea su personaje más conocido. Este niño-hombre vive su mundo, disfruta lo que hace, tiene una cara de alegría y de curiosidad la mayor parte del metraje. Sí, a él le decíamos fervientemente: ¡Corre, Forrest, corre! Hanks encandila la pantalla en una sublime actuación que ha quedado en los anales de la historia. Crea su personaje con una seguridad tremenda, pese a que nos pueda parecer una interpretación hecha para los académicos. Independientemente de su propósito real, lo cierto es que brilla y Hanks maravilla.

1.) Philadelphia

Es Andrew Beckett, un abogado homosexual que padece SIDA. Quizás a muchos les parezca un personaje excesivo, manipulable e incluso algo trillado que incita al morbo. Nada más lejos de la realidad. Hanks realiza la mejor actuación de su carrera asombrando a propios y extraños, encarnando un personaje enfermo pero digno que conmueve hasta las lágrimas. Lleno de muchos matices, logrando una evolución acertadísima, brinda una cátedra interpretativa con solo sus miradas. ¡Espléndido, sin duda alguna! La película misma en sí es un logro, a verla quien aun la tenga pendiente.

Ahora vuestro turno... ¿Vuestro top de Tom Hanks es...? 

Crítica de "The Place Beyond The Pines" (Cruce de Caminos)

Nota 6/10

Se llamaban Cindy y Dean; se amaron sobre todas las cosas pero llegado un momento la chispa de la ilusión y el amor se hundió, y de eso solo quedó escombros. De esa forma la ópera prima de Derek Cianfrance, Blue Valentine (Triste Valentín), através de un argumento sobrio y contundente y unas actuaciones maravillosas (Ryan Gosling y Michelle Williams en todo su esplendor) veía la luz y los espectadores contemplábamos fervorosos una historia sobre el amor y el desamor, sobre las relaciones, sobre el futuro truncado, sobre la decepción y la soledad y un sinnúmero de temas más que eran abordados con mucha sutileza del cual quedamos muchos encantados. Tras ello se anunció que el director volvería a la carga con "The Place Beyond the Pines" un drama encabezado por su actor estrella (Gosling) que tras darse paso por ciertos festivales daba atisbos de que el cine que mostró en Blue Valentine seguía latente.

"The Place Beyond the Pines" trata sobre Luke (Gosling), un motorista que trabaja como especialista el cual trata de ponerse en contacto con su antiguo amor, Romina (Eva Mendes), y descubre que recientemente ella ha tenido un hijo de él, Jason. Por ese motivo decide dejar su trabajo en la carretera y dedicarse a su familia trabajando como mecánico.

De buenas a primeras la conexión que hallamos entre Blue Valentine y The Place Beyond the Pines está relacionada con la paternidad. Qué habrá pasado en la vida del director en su infancia para abordar estos temas no lo sabemos, pero causa curiosidad, y aún así es uno de los tantos que se puede abarcar en un film. Este en particular despierta un inusitado interés al hablar sobre las relaciones parentales y el sacrificio por un hijo. La película es cuidadosa en su forma y plantea varias cuestiones a lo largo de sus 140 minutos y en todas ellas, aunque a marchas algo forzadas,  se percibe la esencia de su ópera prima. 

Siempre me he mostrado crítico con las traducciones de los títulos "made in Hollywood" al castellano, prefiero conservar el original, pero curiosamente en esta ocasión el título en español que goza este film me parece que va como anillo al dedo: "Cruce de caminos", y aunque suene como topicazo cabe dentro de la clasificación. El film revolotea en diferentes historias que trascienden en el tiempo y espacio, cruzándose de manera asaroza para hacer énfasis en el destino y en aquel pensamiento popular de que todas las cosas mal ejecutadas tienen su recompensa tarde o temprano. 

Luke se siente culpable y abandona su trabajo para enfocarse en darle lo mejor a su hijo, aunque ya sea muy tarde. Pero las cosas no funcionan y debe dedicarse a asaltar bancos para obtener lo que desea. 

Lastimosamente el film pese a gozar de un buen lazo introductorio, en la que presenciamos la labor de Luke y su manera de afrontar la responsabilidad paternal, cae en una segunda parte muy irregular donde tras haber sido azotada por una primera bastante amena no se sostiene lo suficiente. La película se desvía e inyecta a su metraje otros temas como la corrupción y la codicia en las que todo sabe a poco y confuso. Bradley Cooper (en uno de sus mejores papeles en su carrera) es el protagonista de esta etapa en el film, como el héroe lleno de inseguridades y aquejado por la culpa; para rematar somos invitados a presenciar un epílogo manoseado hasta la médula donde convergen las dos generaciones de los protagonistas de las dos partes anteriores, en un desenlace cargado de melodrama y cierta pedantería, aunque goza de las grandes actuaciones de Dane Dehaan (Chronicle), un actor al que hay que tener muy en cuenta y Emory Cohen (Afterschool)

El film pese a emocionar en ciertos momentos y brillar en su inicio pierde fuerza y sentido hacia el final, lo que hace que decepcione a los que apreciamos su espléndida ópera prima. 

Cianfrance mantiene impávido su estilo pero la historia no acompaña, es desaprovechada en exceso y se vuelve insípida e irregular; un film lleno de grandes momentos (especialmente en su primera parte), con una banda sonora especial e intensa y una estética, como dije anteriormente, muy cuidada.

Una historia efervescente que pudo haber sido mejor. La recibo con algo de insatisfacción, tan llena de virtudes como de errores. Esperemos el resarcir.

Festival Blogger de Cine Inédito Online: CINE-ON

Hace cerca de un año, el amigo y bloggero David Amorós del espléndido blog "Lost Highway Blog" presentaba a la comunidad su tan innovadora idea: la realización de un festival pirata de cine asiático en la que todos los bloggeros y no bloggeros pudiéramos participar disfrutando de las películas seleccionadas, comentando y criticando los mismos. La idea tuvo una acogida impresionante, muchos participamos como miembros de distintos jurados, puntuamos las películas y lo mejor fue el hecho de intercambiar opiniones, posturas e ideas. Pero hoy, casi doce meses después, nos encontramos a las puertas de un festival transformado, agrandado y sin duda sensacional; y éste último calificativo define a la perfección lo que es el festival. Ya no es solo asiático, se ha expandido a otros países, se han dispuesto de nuevas secciones y se ha abierto el abanico de participación a todos los gremios y géneros. ¡Espectacular!

CINE-ON es, a palabras de sus creadores, un festival hecho por bloggers y especialmente para bloggers, aunque obviamente abierto a toda clase de público. Es la oportunidad perfecta para conocer ese cine escondido que aun no tiene planeada una distribución, y del que muchas veces somos privados. Hay cine por doquier, y Cine-On apuesta por presentar y facilitar (siempre de manera legal) esas producciones que merecen ser visionadas. Los films que se presentarán están entre el 2010 y el 2013.

El festival constará de 5 secciones.
-Sección Oficial (10 largometrajes) programada por David Amorós (Lost Highway Blog)
-Sangre Latina (5 largometrajes) programada por Daniel Gálvez (Cine Latino)
-Hot Docs (5 largometrajes) programada por Josepe Machado (Después de 1984)
-Nuevas Miradas (5 largometrajes) programada por Xavi Lazcano (Después de 1984)
-Sueños orientales (5 largometrajes) programada por John Prskalo (Asia Cine)
-Inaguración y Clausura (2 largometrajes) programada por Sandra Mantas (Lost Highway Blog)

Para un total de 32 películas que serán presentadas entre el 6 Junio y y el 7 Julio de este año.

La labor que viene realizando este grupo de bloggeros y compañeros de travesía me parece formidable, y no  me queda más que apoyar y desearles la mayor de las suertes en este proyecto, como dije anteriormente, sensacional. Desde mi humilde rincón apoyando la iniciativa e invito a todos a que se sumen como espectadores y como votantes también de las películas, recuerden que es un festival hecho para todos, que nadie se prive de comentar y participar.

El sitio oficial del festival es este: CINE-ON, aquí se enterarán de la programación de las películas, cuáles participarán y qué día se comentarán.