Crítica de Rust and bone ( De óxido y hueso)

Nota: 7,5/10

En el 2009 el director francés Jacques Audiard nos entregaba un thriller carcelario potente y enigmático titulado Un Prophéte, los que me conocen saben cuánto me gustó esta película (para mí la mejor de aquel año). Para este año volvía recargado con una historia que desde el tráiler prometía ser bastante buena (de a poco me voy aficionando a su cine, duro y hermoso a la vez), y en la que una de las actrices del momento, Marion Cotillard, hacía protagonismo.

En Rust and Bone se nos cuenta la historia de Alí (Matthias Schoenaerts), un hombre que de un momento a otro debe hacerse cargo de su hijo Sam, un niño de 5 años que apenas conoce. Sin conocer a nada ni nadie, y no tener techo, ni comida o dinero, se refugia en la casa de su hermana que muy amablemente le extiende la mano. Por azares de la vida tras una pelea conoce en una discoteca a Stéphanie (Marion Cotillard), una entrenadora de orcas en Marineland.

Las metáforas de la vida.

Rust and Bone es ante todo una película de metáforas y simbolismos expuestos constantemente y mostrados con atino durante todo el metraje. El film abarca muchos temas y todos logra tocarlos con extrema delicadeza y una profundidad justa para equiparar los detalles necesarios sin desentonar o hacer parecer que algo desencaja; entre otras cosas estamos ante una película con un hermoso mensaje sobre la paternidad (el cuidado repentino que Alí debe hacer sobre su hijo Sam), sobre la amistad (un extraño e interesante lazo de amistad que se forja entre el desempleado y revoltoso Alí y la extravagante y altruista domadora de orcas Stéphanie), sobre las diversas maneras de ganarse la vida (Stéphanie lo tiene todo asegurado, disfrutando de un trabajo que disfruta plenamente mientras que Alí debe lidiar día a día con la miseria que lo rodea) y sobre el poder y la fortaleza humana (por detalles que más adelante escribiré).

Rust and Bone tiene la gracia de brillar por luz propia. Desde su introducción de una u otra manera somos transportados a través de la lente de Audiard a un momento de lucha permanente en el que el más "sabido" puede sobrevivir. La película cuenta con bellísimas imágenes, adornadas de diferentes maneras, muchas veces utilizando la ralentización para dar el toque de "magia" que quizás el director desea enfatizar, o bien utilizando la naturaleza alrededor con una fotografía viva y agradable y que nunca presenta tonos grisáceos o melancólicas. 

El film es una muestras perfecta de la fortaleza de la vida, de las situaciones que muchas veces se presentan en el trajinar diario y cómo se pueden lidiar con ellas. No es de extrañar que Audiard nos transporte a vivir dos mundos totalmente distintos y hacer que sintamos compasión por ambos (sin llegar a la exageración). Rust and Bone trata sobre troncos fuertes que resisten el azote de la tempestad. ¿Qué es más fuerte: él metal o el hueso? Ciertamente el hueso puede romperse con facilidad tras algún accidente, en ocasiones es irrecuperable, mientras el metal puede aguantar mucho más ¿No te hace fuerte acaso? ¿No es una forma de evolucionar el hecho de pasar de ser un hueso raído a un metal fuerte? ¿No es eso lo que nos quiere contar Audiard con el personaje de Stéphanie? ¿No es Stéphanie un hueso raído que se torna fuerte tras su accidente y Alí un metal gastado que quizás se convierte en hueso al final, perdiendo las esperanzas?

El film se ciñe sobre la palabra "esperanza", ligada constantemente al desarrollo de la cinta.

Rust and Bone es sobre personas fuertes que son capaces de aguantar. Una oda a la vida, una oda a la esperanza y a la lucha universal.

Y es cierto que al final uno termina respirando confianza por todo lo mostrado, pero el film también tiene ciertas falencias. Entre otras cosas podemos culparlo de un ritmo que pierde fuelle tras una primera hora excelente, llenando vacíos constantes con tomas que al film y al cabo no generan interés alguno, y en ocasiones se vuelven repetidas y un tanto cansinas. El guión no es redondo del todo y nos deja una que otra inquietud que nunca es respondida, y el final pareciera estar cortado un poco de manera tajente.

Pero poco más que criticar, porque le sumamos unas brillantes actuaciones de Cotillard en un papel de una psicología exquisita que brilla en su primera mitad y quizás sufre un pequeño "apagón" en la segunda parte, y un Matthias Schoenaerts que resulta ser toda una sorpresa agradable. Además nos acompaña una gran banda sonora que unida a las imágenes que emana el film son todo un deleite.

Del film se puede esperar mucho y poco, dependiendo de cómo se conciba el cine de Audiard. Quizás decepcione a algunos, pero supongo que a la mayoría le resultará agradable. Por mi parte quedo satisfecho, aunque sé que quizá pudo resultar mejor.

MiniCriticas: Looper, Moonrise Kingdom y Magic Mike

Me vuelvo a poner al día con las críticas de las películas que voy viendo recientemente, aquellas que empiezan a sonar fuerte de cara a la temporada de premios que se avecina.

Looper (Asesino del futuro)

Nota: 8/10

Tras recibir Inception en el 2010 con las mejores vibras y convirtiéndose bajo mi humilde punto de vista en una de las mejores propuestas de ciencia ficción en los últimos años, nos llega Looper, película que ya muchos han podido disfrutar y sacar sus conclusiones.

El film trata de que en el 2072 los asesinatos están terminantemente prohibidos, por ende las víctimas son enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado (2042), donde los Loopers, un grupo de asesinos a sueldo, se encargan de eliminarlas y deshacerse rápidamente de sus cuerpos. El problema surge cuando Joe (Gordon-Levitt), uno de los Loopers, recibe desde el futuro un encargo muy especial: eliminarse a sí mismo (Bruce Willis). Y es aquí cuando empieza "el show".

Looper es desde su inicio una odisea de espectáculo cinematográfico marcada con un inteligente guión y un sentido del ritmo notable. El film denota con atino la manera correcta de ensamblar drama, acción y por supuesto ciencia ficción al mejor estilo, una especie de ensalada que nunca sufre altibajos, y con los condimentos necesarios. Rian Johnson (el director) se encarga de compenetrarnos en esta magistral propuesta y envolvernos en el parsimonioso papel que bien interpreta Gordon-Lewitt. Una película que reboza de corazón y alma, a la que muy poco se le puede tachar. No es perfecta, es más raras son los films que pueden etiquetarse de serlo, pero su búsqueda hacia tal cometido (al menos dentro de sus objetivos) ha dado sus frutos.

Entretenimiento del bueno, y que se necesita hoy en día en la ciencia ficción.

Moonrise Kingdom

Nota 7/10

Y llega Wes Anderson con su particular estilo para entregarnos otra fábula estupenda. Esta vez nos lleva a nuestra infancia a recorrer por nuestra mente y nuestros sentimientos la aventura de dos adolescentes que dejándolo todo atrás deciden iniciar un recorrido sin retorno y embarcarse en sus "vacaciones" a su estilo. Moonrise Kingdom rememora nuestro amor adolescente (primer amor), evoca esos sentimientos de viveza, de rebeldia, de angustia, de temor que todos hemos sentido alguna vez, solo que añade valor por el hecho de presentarnos el punto de vista que todos hemos querido observar, desde la perspectiva de unos pequeños jóvenes, sin prejuicios y sin el "qué dirán", obstáculos que todos los adultos tienen. ¿Acaso no es una muestra aleccionadora de cómo romper barreras cuando se siente ese primer amor, o el amor verdadero?

El director vuelve a su inagotable (cuestionado) surrealismo que a muchos encanta y a otros fatiga, pero nunca deja indiferente, razón por la cual todos sus films están en la boca de la mayoría. Particularmente su estilo aunque lleno de magia y rebosante de originalidad, me ha resultado a ratos cansino en otras producciones, en ésta me ha parecido formidable y perfecta para el relato que nos cuenta. Técnicamente no hay nada que achacarle, la puesta en escena es perfecta, súmamente simétrica y lo que más me ha fascinado es la banda sonora que el genio de Alexandre Desplat ha compuesto, con temas que deben estar considerados para muchos reconocimientos, lo cual me parecería más que merecido. Punto extra por el reparto, gran trabajo conjunto, desde los más niños hasta actores de la talla de Frances MacDormand, Edward Norton, Bruce Willis o Bill Murray.

En fin, una película que gusta y debe "vivirse", una experiencia más que interesante.

Magic Mike

Nota: 5/10

Y Steven Soderberg, ese director que nos entregó una obra magnífica con Traffic y otra estupenda con Sexo, Mentiras y cintas de video, y que ha anunciado que hará sus últimos trabajos para dedicarse a otra cosa que ahora no recuerdo exactamente, parece haber perdido el rumbo; y lo digo porque sus últimas producciones carecen de ese "algo" que me hubiera encantado recibir en sus propuestas. Si bien Contagio me pareció una cinta interesante que traspasaba lo cotidiano en films sobre pestes mundiales, no alcanza la cuota como para decir que el viejo Soderbeg había regresado. En Magic Mike, su última producción, vuelve a bajar el pendón y es como si se encontrara resignado a realizar films de encargos más que vivir cada cinta como una nueva experiencia.

La película es de lo más normal, típica de la que poco se puede esperar, solo que le añadimos a todo el concentrado bailes, strippers, una chica sexy, y un guión descafeinado sin rozar en ningún momento algo atractivo. ¿Algo bueno que rescatar? Pues sí. Matthew McConaughey hace el papel de su carrera en esta película, interpreta al antihéroe bonachón y bohemio y logra que su personaje brille en el film, una construcción idónea. Aplausos para las coreografías, bien escenificadas. Y un final que logra resultar por lo menos, interesante. Si no la ven, no se pierden de nada; si lo hacen por el contrario podrán tener material adecuado si desean hacer de strippers en alguna ocasión. 

Top 10: Los villanos del cine.

Ah sí, Halloween, esa fecha tan especial para un cinéfilo en el que puede gozar plenamente de marathons de películas de terror y suspenso. No voy a negarlo, me veo un montón de films se esta clase en esta fecha, faltaría menos. Lástima que hoy en día para disfrutar de un buen film de terror haya que recurrir a esas cintas de antaño ya que las propuestas actuales repiten la fórmula ya vista en multitud de ocasiones; claro, hay excepciones, para bien o para mal. No me considero un fanático del género pero sí un amante del cine en muchos géneros, y por supuesto disfruto de un buen film de estas características.

Ahora bien... ¿por qué se ama el cine de terror? Uf, sin duda habrá un centenar de respuestas, pero quizá la más lógica es por ese pavor que nos provoca, por esa sensación de miedo que logra infundir; en la mayoría de los casos el protagonista (o los protagonistas) deben lidiar con situaciones adversas de villanos que procuran "atraparlos". El gozo o disfrute está en cómo se "trabaja" todo el asunto para enganchar al espectador. 

Hoy quiero dedicar esta entrada a los villanos del cine, ya sean de películas de terror o no, esos villanos que nos han infundido terror, pavor, coraje, ira, y ganas de tomarlos y darles un buen escupitajo ;)

Les dejo con una pequeña lista personal de los 10 mejores villanos del cine.

10.) La enfermera Ratched 

(Alguien voló sobre el nido del cuco)

9.) John Doe (Se7en)

8.) Mrs. Danvers (Rebeca)

7.) Annie Wilkes (Misery)

6.) Frank Booth (Terciopelo Azul)

5.) Jack Torrance (El Resplandor)

4.) Dark Vader (La guerra de las galaxias)

3.) Hannibal Lecter (El silencio de los corderos)

2.) Norman Bates (Psicosis)

1.) El guasón (The Dark Knight)

¿Cuál villano falta? Vuestros favoritos son.... 

Top 7: Jack Nicholson

Volvemos a una de las secciones clásicas del blog: Los tops.

Estaz ves os presento mis trabajos favoritos de un genio y leyenda del séptimo arte: Jack Nicholson.

Todos sabemos de quién se trata, un actor que ha dedicado toda su vida a brindarnos papeles inteligentes, desde lo más seres más humanos hasta los villanos más perversos. Un actor de muchas facetas y brillantes interpretaciones. Pensándolo bien, un  top 7 se queda corto, pero haré el intento ;-)

Empezamos.

7.) La Fuerza del Cariño

Ganador del Oscar a mejor actor secundario. Interpreta al astronauta Garret Breedlove, quien vive un romance con su vecina. Su papel da vida y frescura a una comedia dramática salpicada de grandes momentos. Un papel muy diferente a lo que antes había permitido observar, una faceta interesante que no pasó desapercibida.

6.) Las confesiones del señor Schmidt

Con ésta película logró lo que es hasta la fecha su última nominación al hombrecito dorado. Jack interpreta a un jubilado hombre que tras la muerte de su esposa hace una introspección a su vida. Otra comedia que gira en torno a toda una vivencia que emprende, que incluye ir al matrimonio de su hija. La sola presencia de Nicholson en la película la eleva con notoriedad.

5.) Chinatown

Uno de sus papeles más conocidos, como el detective Jake Gittes. Su interpretación conecta ampliamente con el espectador, quien percibe y descubre al igual que Nicholson todo lo que ocurre en el enrevesado misterio que guarda Chinatown. Una actuación impecable, sin errores, con un personaje meticuloso y bien definido. 

4.) Los Infiltrados

Uno de los mejores gánsters que el cine ha brindado. Nicholson nos entrega una actuación excelente, reuniendo todas las características para encantar. Sin piedad, sin artilugios, con autenticidad. Una diserción actoral de aplausos.

3.) Mejor... imposible

Y aquí conocimos a un Nicholson aun más diverso (si es que pensábamos que sus ases bajo la manga se habían acabado). En Mejor... imposible, junto a Helen Hunt conquista la pantalla interpretando a un hombre odioso y despreciable, pero con estilo; de esos vecinos cascarrabias que todos deseamos que se largen. Dueño absoluto de la pantalla; consigue con inteligencia transmitir con esplendor la dureza de su corazón, y evolucionar hasta mostrar algún espasmo sensible. Un personaje que se mueve entre lo cómico y dramático con premura. 

2.) El Resplandor

Y llega uno de los seres más perversos del cine. Su mirada, sus gestos, su andar; todo lo culpabiliza, el personaje de horror que fue la pesadilla de una Shelley Duvall que no paró de asustar y asustarnos. En el clásico de horror de Kubrick, Nicholson nos entrega una actuación macabra, donde "resplandece" su esencia interpretativa. Imposible olvidar  muchas de sus escenas. Se "mete" en la piel del personaje. Escalofriante y brillante a la vez.

 1.) Alguien voló sobre el nido del cuco

Nuestro "loco" favorito, el revolucionario por excelencia. Y es que es dificil olvidar a MacMurphy y sus enfrentamientos con la enfermera Ratched en Alguien Voló sobre el nido del cuco. ¿Por qué es mi preferida? Porque lo reúne todo, desde lo más dramático hasta lo más cómico, desde lo más sutil hasta lo más violento. Porque su desenvolvimiento en la película lo delata, y el tratamiento psicológico de su personaje es asumido con excelencia. Porque se hace "querer" del espectador, y con el mismo, se hace querer por el cine. Muy merecido Oscar principal por esta actuación. Para mí, sublime.

¿Y el vuestro?

Crítica de Headhunters.

 Nota: 8/10

¿Se puede obtener un buen thriller de acción de la parte nórdica europea? Ah que sí, Headhunters lo demuestra.

Dirigida por Morten Tyldum, basada en la novela de Jo Nesbø, esta película es una odisea de emociones continuas enlazadas perfectamente para estallar en el espectador y hacerlo disfrutar a plenitud de su enrevesado rompecabezas.

La película nos cuenta de la vida de Roger, un ejecutivo que ha amasado una enorme fortuna y que tiene como mujer a una de esas mujeres sacadas de fantasía. Pero todo en él es falso, y lo que nadie sabe es que toda su fortuna la ha obtenido a través del robo de famosas obras de arte. Pero todo su “negocio” se ve amenazado cuando decide robarle una obra a otro personaje que aparece de la noche a la mañana.

Headhunters es brillante, no solo por el sentido del espectáculo que despilfarra en cada minuto de metraje, sino por lo bien hilvanada que está la historia con varios personajes en un argumento muy correcto e inteligente (aunque con ciertas algunas que se perdonan). El film empieza de manera fría y poco a poco se va convirtiendo en una odisea de emociones continuas que no dan respiro. El film cuenta con muchos giros, y algunos no se intuyen por más que se sea el cinéfilo más experimentado. Headhunters no se “burla” simplemente del protagonista (un correctísimo Aksel Hennie) si no también lo hace del espectador creando en el entorno que rodea el film una intriga considerable que poco a poco se va descubriendo, y al final enterándose de la falsedad con la que se está construyendo. Hay que reconocer que la película bien pudo apostar por ser un drama introspectivo sobre el falso estatus quo que se cierne sobre el protagonista, pero no, el film no se detiene a pensar en esas condiciones, no expresa un análisis conflictivo sobre el asunto, más bien propone un juego interesante de rompecabezas entre situaciones y personajes bien definidos (aunque no todo “cuadre” explícitamente).

Cinematográficamente hablando es un deleite. Peros va a tener y muchos, estarán los que se les resulte una película difícil de creer, o los que no acepten los tantos giros que propone la trama. Pero lo que sí no se puede negar es que es entretenida después de todo. Critico su final, después de todo me resulta muy convencional y pareciese un retroceso a todo lo presentado en sus casi 120 minutos, pero lo dicho, nada grave.

Valiente y arriesgada. Fría y a la vez enérgica. Cargada de acción, intriga, violencia, toda una ensalada de elementos bien aliñada y compuesta. Headhunters, un sobrio e inteligente thriller con buena y justa dosis de acción y un argumento plácido a pesar de ciertas lagunas existentes, pero que en realidad no desentonan en nada. Muy recomendada.

Crítica de The Dark Knight Rises (El caballero oscuro asciende)

Nota: 8,5/10

El furor que despertó Nolan al resurgir la historia del hombre murciélago allá por el 2005 (hace 7 años) y se desbordó en el 2008 con la presencia de uno de los villanos más psicópatas que ha entregado el cine, llegaba a su fin este año con el cierre de una de las mejores trilogías que se han rodado en el séptimo arte. ¿Exagerado? No lo creo, aunque cada uno tiene su opinión, para mí, lo que logra Nolan con el nuevo Batman es una hazaña completa que pocos directores estarían comprometidos a hacer y que les salga un buen resultado.

Si me pongo a repasar brevemente las últimas cintas de Batman, llego a la conclusión de que las tres son meritorias de elogios. En Batman Begins nos trasladábamos al origen mismo de toda la pasión desbordada por el hombre murciélago en una película que si bien no llega a ser tan emocionante como sus predecesoras, es muy sobria y marcada con un estilo elegante e inteligente. Con The Dark Knight Nolan se consagró como el reinventor de un género en decadencia (los que me conocen saben que no soy muy dado a los cómics o superhéroes, más al drama o cine independiente, pero lo que realiza Nolan es sumamente notable) y me hizo enganchar de por sí a su cine. Y finalmente llega la cereza del pastel con The Dark Knight Rises que se ha llevado críticas y elogios por doquier (en realidad más alabanzas que lo otro) y que sin duda deja satisfecho a más de uno (en los que me incluyo).

The Dark Knight es fantástica como cierre de una trilogía; Nolan construye un final épico (sí, épico) en el que el orgullo podría ser la base principal de todo el montaje de efectos argumentales y técnicos para consolidarlos en la pantalla. La última batalla es tratada como legendaria, ya no solo por tratarse del mayor villano que haya enfrentado Bruce Wayne, sino por todo el peso que lleva en sí su personaje, tanto física como psicológicamente.  The Dark Knight Rises puede ser tomada como una película más de superhéroes, pero en realidad es la introspectiva a un ser humano atormentado por los recuerdos y en una fase casi terminal de su carrera, en el que ha sembrado ilusión y odio a toda una ciudad. La creación y transformación (evolución) de este personaje oscuro y más real que cualquier otro es debido al toque que le brinda Nolan, un toque denotado no por superioridad física o intelectual, sino por determinación y un leve deseo de venganza.

La película está compensada con el equilibrio necesario para gustar o disgustar de acuerdo a los motivos por los que vayamos a ver el film: si queremos encontrarnos con pura acción esta no es la película (en realidad no es el estilo Nolan), porque la primera parte en su mayoría está cargada de una prosa dramática exquisita, que crea el ambiente preciso a lo que vendrá. La llegada de nuevos personajes al entorno Batman no es confusa ni superficial, sino plagada de propósitos que se cumplirán en la película. Por citar un ejemplo la ambigüedad de Gatubela está tratada con excelencia en una Anne Hathaway soberbia, y la incapacidad de moralismo en Bane retratado de manera notable en Tom Hardy.

En The Dark Knight Rises se siente por primera vez una vulnerabilidad exagerada en ciudad gótica y el pavor es transmitido no solo a sus ciudadanos sino al espectador quien contempla el film.

Por su parte las interpretaciones de los personajes están asumidas muy bien, logrando que la película sea aún más disfrutable por la credibilidad que denota. Y al igual que en las anteriores partes, la banda sonora juega un papel preponderante en el desarrollo de la trama y ésta aquí no se queda atrás.

En definitiva este es un gran logro, ya no solo por tener el sello Nolan que se ha ganado miles de seguidores alrededor del globo, sino por reinventar un género en decadencia. No tengo dudas que cuando se hable de la cúspide de este género de cómics o super-héroes todos levantarán cabeza pensando en lo que hizo Nolan con un tal hombre murciélago.