TOP 5: Martin Scorsese.

Genio por excelencia. Un director que ha fraguado una carrera magnífica y se ha ganado el beneplácito del mundo entero al dirigir y crear historias fascinantes que ya son parte de la historia del cine. De una carrera envidiable, pronto llegará a las salas su última producción: Hugo, film que ya está dando mucho de qué hablar en Estados Unidos y se perfila como una de las favoritas de cara a los próximos premios de la Academia.

Particularmente me siento atraido hacia la nueva propuesta de Scorsese, en realidad es un gran director y soy muy fervoroso a él aunque he de admitir que en los últimos años no ha logrado satisfacerme por completo, su historicidad como realizador lo avala y respalda.

Hoy les doy a conocer mis 5 películas preferidas de este director.

5.-Casino

Las Vegas, 1973. Sam "Ace" Rothstein, un profesional de las apuestas de carreras de caballos, es director de un importante casino que pertenece a un grupo de mafiosos. Su misión es controlar el funcionamiento del negocio y garantizar que la corriente de dinero que va a parar a manos de sus jefes siga fluyendo. Las Vegas es un lugar ideal para millonarios y políticos, pero es también lugar de paso de tahúres, prestamistas, traficantes de drogas, matones. Tal vez su mayor debilidad radique en su metraje, pero aun asi el film es una muestra clarísima de cómo hacer una buena película. Vigorizante y dramática, narrada con acierto y buen pulso. Espléndida.

4.- Shutter Island

Verano de 1954. Los agentes judiciales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Emily Mortimer) que estaba recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Ben Kingsley). Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes. El mejor trabajo de Scorsese (opinión muy personal) de la última década; una muestra excelente de tensión y misterio con olor a buen cine. Ambientación exquisita y guión que no da tregua. Fascinante.

3.-Ranging Bull

Jake la Motta es un joven boxeador que se entrena duramente con la ayuda de su hermano y mánager Joey. Su sueño es convertirse en el campeón de los pesos medios. Pero Jake es un paranoico muy violento que descarga su agresividad tanto dentro como fuera del ring. Incluso su hermano es víctima de su enfermizo carácter. Cuando, por fin, alcanza el éxito, su vida se convierte en una pesadilla. Por un lado, su matrimonio marcha cada vez peor debido a sus contantes salidas nocturnas con otras mujeres; por otro, la mafia lo presiona para que amañe combates. Soberbia cinta, con un maravilloso guión y una dirección espléndida, actuada perfectamente por un DeNiro alucinante. Una excelente conjunción de estilo propio. Sublime Scorsese.

2.- Taxi Driver

Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre poco sociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en los cines para adultos y vive obesionado con Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Tras estropear su incipiente relación con Betsy, Travis no puede menos que seguir observando cómo la violencia, la sordidez y la desolación se adueñan de la ciudad. Y un día decide pasar a la acción. Perfecta en muchos sentidos. El deseo emocional de Travis por hacer su propia justicia y eliminar las pestes de la ciudad, hace que sintamos su pasión a flor de piel. Scorsese se zambulle en esta apasionante obra de culto, con una increible interpretación de DeNiro y un majestuoso guión.

1.- Goodfellas

Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, vive en Brooklyn y se siente fascinado por la vida que llevan los gángsters de su barrio, donde la mayoría de los vecinos son inmigrantes. Paul Cicero, el patriarca de la familia Pauline, es el protector del barrio. A los trece años, Henry, decide abandonar la escuela y entrar a formar parte de la organización mafiosa como chico de los recados; pero muy pronto se gana la confianza de sus jefes, gracias a lo cual irá subiendo de categoría. Una obra maestra espléndida. Impresionante lección de cine en donde Scorsese retoma de manera portentosa su cine mafioso, catapultándolo a la gloria. Mi flim favorito del neoyorkino y del género.

The Village (El bosque)

Este film es de aquellos que levantan mucha polémica y división de opiniones. Hay los que creen que es una tomadura de pelo, otros que simplemente es un trabajo menor de un director extravagante como M. Night Shyamalan, y otros que la elevan al nivel de obra maestra. Particularmente yo me quedo cerca del último grupo; no es que me parezca una obra maestra, pero se queda muy cerca de ello, porque definitivamente es una extraordinaria película sobre el miedo y el terror, ojo, no "de miedo y terror".

El problema de The Village es que la vendieron como un producto de "terror", cuando en realidad es un retrato magistral sobre los enfrentamientos y temores del ser humano. Una experiencia lírica y poética, dirigida con un espléndido estilo y saturado de una preciosa puesta en escena.

The Village (El bosque o La Aldea, dependiendo del país de exhibición) nos muestra a un pequeño pueblo de una localidad desconocida que viven y habitan en armonía, todos se conocen, todos comparten juntos, y todos tienen el mismo sufrimiento: soportar a las criaturas extrañas que habitan en medio del bosque.

Es fascinante conocer la historia y cómo todo se desenvuelve aquí. Shyamalan crea una atmósfera tétrica y de pavor durante el metraje para incentivar y llamar la atención del espectador. Consigue plasmar ese miedo psicológico en los personajes y hacer que ellos nos lo transmitan a nosotros.

The Village es un retrato sobre el mundo contemporáneo: las personas que huyen de su realidad y se aferran a construir su propio mundo lejos del perturbado siglo en el que viven, queriendo reavivar una era perdida, una época donde la sociedad no había perdido los valores ni se había entregado a sus pasiones desenfrenadas. Un grupo de personas temerosas se embarcan a ejecutar el propósito de cuidar de los suyos, y que sean impermeables a un mundo hostil y violento.

Existen interesantes paralelismos en esta inquietante y fantástica cinta. Aquel miedo que sienten los protagonistas, y el pueblo entero de no cruzar el bosque ni mostrar algo rojo que atraiga la atención de aquellas criaturas extrañas que tanto les atormenta, va conjugado con la valentía y el coraje de un amor que se cierne entre dos idearios jóvenes interpretados por Joaquin Phoenix y Bryce Dallas Howard. Hay un aire de determinación en el ser heroico del personaje interpretado por Dallas Howard, aun en medio de su ceguera combate con sus miedos y dudas para enfrentar una realidad que se ha caido a pedazos. El bosque es una especie de "pared" que impide acercarnos y ver la realidad que existe en el otro mundo.

Spoiler:

***Me pareció realmente sorprendente el hecho de que Shyamalan creara una especie de cuento de terror y que sea como esas leyendas urbanas que se transmiten de generación en generación en el sentido de la existencia de aquellas criaturas que habitan en el bosque. Es un pretexto genial para que los hijos e hijas no piensen si quiera en cruzar o acercarse a dicho lugar, ya que el temor por sus vidas se apoderaría de ellos, y por ende jamás conocerían ese mundo que existe detrás del bosque. Además podemos juzgar o no juzgar a los responsables de haber creado aquella mentira. Shyamalan no emite criterio, nos deja a nosotros determinar si son culpables de tratar de proteger a los suyos viviendo en un pueblo ficticio, o si son meramente culpables por no dejarlos enfrentar al mundo real en el que nacieron. Protección y sobreprotección***

Shyamalan tiene un tacto narrativo irresistible. Combina perfectamente los tiempos, la tensión y nos sumerge en un estado de nerviosismo impresionante en varios momentos. Se luce creando un telón de fondo impecable para después dar a la luz una concepción y reflexión altruista sobre el miedo. Fascina e hipnotiza. Su ritmo peca de ser el adecuado y preciso en la narrativa que desembocan en las preciosa imágenes.

Una historia hermosa, un relato impresionante, un estilo que se mostró interesante en El sexto sentido y se realzó magistralmente en esta reflexión moral y perfecta sobre uno de los sentimientos más humanos del hombre.

Cabe destacar el excelente apartado interpretativo: Joaquin Phoenix, Bryce Dallas Howard, William Hurt, Sigourney Weaver, Adrien Brody, Judy Greer, Brendan Gleeson, Michael Pitt, entre otros, logran involucrarse en las misteriosas sombras de aquel pueblo extraño e intrigante, formando un coloquio de personajes, todos humanos, reales y auténticos.

La música de James Newton Howard es otra pieza artistica irresistible; acompaña a la perfección las escenas y enfatiza el miedo que el director trata de impregnar a la historia. La fotografía también es excelsa, un trabajo lúcido y maravilloso de Roger Deakins, con colores vivos y tenues, combinados de forma excelente.

En resumidas cuentas, queda claro lo mucho que me gusta esta película, un film siniestro y arriesgado, donde los giros argumentales están a la orden del día. Film sorprendente y para mi gusto, efectivo.

Les dejo con la melodía creada para la cinta:

Melodías primordiales: Las Horas.

Las mejores bandas sonoras de una película son aquellas que acompañan a la perfección las sensaciones y emociones que esta retrata. Cuando una música suena en acorde con las escenas, hablamos de una compaginación perfecta lo que hace que exista un disfrute mayor.

En The Hours nos encontramos con un trabajo maravilloso del gran compositor estadounidense Phillip Glass (3 veces nominado al Oscar por The Hours, Notes on a scandal y Kundun). Básicamente este célebre compositor produjo para el film espléndidas melodías, la mayoría acompañada de piano, y otras con cuerdas.

Las Horas es una cinta extraordinaria que aborda la vida de tres mujeres en tres décadas diferentes, pero relacionadas por algo en común; un film melancólico y poético, sobre las decisiones femeninas, sus compromisos, sus temores, las incertidumbres de su futuro. Tiene ritmo, tras un vertiginoso comienzo que no decae en ningún instante, y unas excelsas interpretaciones de Julianne Moore, Merul Streep y Nicole Kidman. Brillante en todos los sentidos.

A quien no haya visto el film, se lo recomiendo ampliamente. Una película que desde que la vi por primera vez, me dejó "nockeado".

A continuación algunas partituras que Phillip Glass compuso para el film.

Disfrutadlas:

The Hours Soundtrack - The Poet Acts

The Hours Soundtrack - Morning Passages

The Hours Soundtrack - Escape!

The Hours Soundtrack - Dead Things

FESTIVAL DIRECTED BY 7

Y pues muchos ya lo sabían, otros tal vez no. La séptima edición de este festival del que ya he venido hablando en los últimos días se viene muy pronto, y se me ha otorgado el privilegio de ser por primera vez el administrador de dichoso concurso. Sí, sé que es una tarea complicada, no es muy fácil, sino pregúntenle a Dialoguista o Xavier Vidal, últimos dos administradores.

Ya está el reglamento oficial, así que los continúo animando a que se sumen al proyecto! Será una experiencia muy enriquecedora para todos. Además se ha incluido un premio a la mejor ópera prima, así que si hay nuevos concursantes bien se podrá optar a dicho premio.

Pueden leer el reglamento AQUÍ.

Espero vuestras historias cinefiloamigos.

Crítica de Drive

Nota: 8,5/10

Hay películas que las esperas con muchas ganas mientras corren los días. Y sabes que cuando la veas te pueden encontrar con dos vertientes: que llene tus espectativas, o que te defraude en sobremanera. Hay películas hechas para un buen amante del cine. Hay películas como Drive que son sencillamente espectaculares.

Drive es sutil e inteligente, fría y calculadora. Una película que logra procesar durante su metraje una atmósfera bohemia pero intrigante, capaz de encontrar un clímax frenético y avasallador, con magníficas escenas de persecusión y otras de una innegable cuantía sentimental sin rozar lo absurdo o ridículo. Drive genera tensión. Un film de extraño manejo del ritmo, que tras una introducción adrenalínica baja su nivel hasta unos 30 minutos posteriores, donde de ahí en adelante todo resulta atractivo. Drive consigue trabajar una mezcla homogénea de estilos que unidos compenetran perfectamente y en pantalla resultan grandiosos. Una historia que se torna distinta y emocionante con sus giros fantásticos.

Ryan Gosling es un conductor, un hombre solitario del que no se sabe nada, o muy poco en realidad. Un chico inteligente, meditabundo, sobrio y de buenos modales. Indagar más allá en la personalidad del mismo es como realizar un trabajo que nos llevaría tiempo, porque el director no lo hace. De este "conductor" podemos sacar muchas lecturas; quizá un pasado oscuro y tenebroso hace que se plantee la posibilidad de haberse mudado a Los Ángeles para rehacer su vida, pero en realidad solo lo intuimos, porque nunca se revela nada. Este "conductor" reinvindica a aquel "héroe" que busca hacer las cosas bien, con un talento innato, oscuro y especial. Gosling es una especie de justiciero, que atraído y en cierto modo comprometido con la urgente situación de su nueva familia amiga, se ve inmiscuido por voluntad propia en tratar de ayudar para solucionar un problema.

Drive es una película de emociones y sensaciones, no solo se limita a presentarnos grandes persecusiones, acción o sangre, sino que trasciende en una historia marcada por el dolor y la aventura innegable del hacer cotidiano. Una película con estilo, que no "copia" aquellos fervorosos años ochenta, sino al contrario, les rinde un cauto y explícito homenaje.

Nicolas Winding Refn realiza una dirección excelente en cada escena. Hay un halo místico que envuelve toda la trama, el espectador se compenetra con la historia y se adueña de lo que se presenta. Siempre se busca el encuadre perfecto, hacer que el espectador sienta a los personajes (en especial a Gosling) para que así capturamos su esencia. Mulligan está magnífica, en el papel de una ama de casa algo sufrida, paciente y amante a la vez, que siente o empieza a sentir una atracción por ese personaje tan raro interpretado por un soberbio Ryan Gosling. ***Spoiler: El romance que surge entre ambos es tan atractivo que se consume en la escena del ascensor donde ambos personajes se rinden ante un beso que entrega magia y esplendor, y a la vez se conjuga con la consiguiente parte donde a forma de paradoja, el "conductor" rivaliza con otro personaje y termina en una escena violenta y una Carey Mulligan asustada. Una contradicción sublime, de un poderio visual enorme. Fin de Spoiler

Y es que eso es Drive además, un baile sensual y visual que se captura ferozmente en todas las escenas y que acompañado de esa música que es sencillamente brillante, se vuelve una experiencia vertiginosa y meramente artística, una combinación excelente. Y hablando de música no solo me remito a las piezas de canciones que Winding Refn inyecta al metraje, sino a las simples melodías que suenan en diferentes escenas, tan poderososas, enérgicas y emocionantes. Un grandisimo trabajo de Angelo Baladamenti (incluyendo las apariciones de la exquisita BSO de The Social Network).

Todo el reparto de Drive consigue destacarse y juntos convierten la película en un verdadero deleite de personajes diversos, valientes, tramposos y embusteros. Albert Brooks y Bryan Craston están espléndidos cada uno.

Drive es una apasionante película, tan artística y bella que emociona. Transmite energía y vida. Nos envuelve en una historia violenta, pero bella y artística a la vez. Un relato heroico sin precedentes. Altamente recomendada.

Mi top 7: Festival Directed By 6

Pues ayer fue la gala final de uno de los festivales más prestigiosos que tiene la comunidad bloggera: El directed by 6. Para los que todavía no lo saben, este festival es un espacio creado para todos los que sean amantes del cine y tengan alguna historia en mente para hacerla realidad, convirtiendose en su propio director, es decir, contar una historia escrita, imaginandola como si se rodara. Y bueno, no me lío más. Es la tercera vez de forma consecutiva en la que participo. La primera vez, lo hice con lo que seria mi ópera prima: Bendita decisión, la cual la podéis leer aqui.

En el quinto festival, participé con dos obras más: Adiós (una obra corta muy personal) y Ruleta, en colaboración con mi gran amigo Chauncey. Obtuvimos varias nominaciones en la gala final, así fue un placer trabajar con él. Y ya para esta sexta edición escribí dos trabajos más: Huéspedes (que el día de ayer se alzó con el premio a mejor obra corta.... yeah!) y Otoño Redentor, una obra de las que amo hacer, un drama intimista que une a 3 personajes (que obtuvo el premio a mejor dirección).

Este festival estuvo de un nivel altísimo sin duda, grandes óperas primas han pasado a la historia del festival de por sí. Ayer la gran triunfadora (además de Dialoguista, que casi arrasa en todas las categorias xD) fue la satírica obra de Isidro Molina (alias Roke, de Ratos de cine) titulada Fluye por mis venas, que se la recomiendo a todo el mundo.

Yo les dejo aquí las 7 obras que más me gustaron:

7.-) La ciudad de la memoria, de Álvaro Casalino

6.-) Huérfanos Rojos, de Dialoguista y Sean Bauer

5.-) Genovese: Ética Flexible, de Arturo Espinoza

4.-) Auschwitz, de José Barriga

3.-) Locura, de Sean Bauer

2.-) "SIN", de Alex Kleinman

1.-) Fluye por mis venas, de Isidro Molina.

Mención especial las buenísimas óperas primas de

Till The Collapse, de Mario Gonzalez y Looking for Alice, de Yukiteru.

Así sin más ha concluido un festival que cada vez parece tener más integrantes. Y se viene pronto la séptima edición, seguramente con muchas sorpresas más. Para los que no han participado y deseen hacerlo o ver de qué mismo va el asunto, solo dejen su comentario que cualquier pregunta será respondida.

Y de paso felicidades a los ganadores!!!

Crítica de Red State.

Nota: 5/10

Ganadora de Sitges 2011, y arrebatadamente peculiar, Kevin Smith ofrece su último manjar cinematográfico totalmente diferente a sus antecesoras propuestas. Y es que este director sabe sorprendernos con buenas películas y otras que son un rollo. Red State está en el medio.

La pelicula trata sobre tres adolescentes que con las hormonas al rojo vivo contestan a un anuncio de una mujer madura que busca sexo. Siendo chicos, se lanzan a la carretera para satisfacer sus urgencias libidinosas. Pero lo que empieza como una fantasía da un oscuro giro cuando se enfrentan a una terrorífica fuerza "sagrada" con una agenda pendiente fatal.

A la hora de la hora uno se acerca a ver un film por diversos motivos, influyen muchos aspectos: la trayectoria del director, la trama de la película, el grupo de actores, quien firma el guión, o el hecho de ver cómo te venden la película. Y yo creo que en este apartado hay muchos films que han fracasado, porque no logran convencerte después de haberte "vendido" una película que a primera instancia sonaba más que atractiva. Eso fue justamente lo que me pasó con Red State. El film de Smith no resultó ser como me lo vendieron, por el contrario me llevé una ligera decepción tras su visionado.

Red State es un film irregular que basa su argumento en 3 partes bien diferenciadas pero que no arman un todo genuino y respetable en sí, haciendo que parezca que la película no tenga ni pies ni cabeza. Primero nos pasamos por lo que pareciera ser una comedia adolescente-juvenil, la vida de 3 amigos que trata de hacer su estadía más emocionante en esta vida. Tras eso entramos al ¿terror? con la comunidad ultra religiosa que sobre todo aborrece a los homosexuales (y vaya que sí hay gente así) todo lindándose en un tiroteo policial y que termina al oir la trompeta del dia del juicio. Y finalmente terminamos con la comparecencia de John Goodman narrando lo acontecido. A esto le falta algo...

Smith se arriesga al presentar a su público una trama que mezcla religión y terror, lo cual bien dirigido y estructurado hubiera sido excelente, pero aquí todo resulta en cierto modo patético rayando lo inverosimil (no me refiero al argumento, más bien al trato que el director le da a las acciones); todo se rodea de un ambiente frágil, no llega a emocionar ni a espeluznar, carece de vida y de forma y no hay una cuidada construcción de todo el envoltorio argumental.

No cumple su cometido, pero se le puede agradecer la manera de presentar a esa familia ultra religiosa (lo que más rescato de la película) tan perturbadora como fiel a sus creencias. Nos encontramos con soberbas interpretaciones de Melissa Leo y de Michael Parks, ambos son lo más espléndido de todo el reparto de la cinta.

El ritmo después de media hora es adrenalínico, pero aquella primera media hora discursiva donde se entremezclan pensamientos, filosofías y temáticas de aquella secta religiosa ¿demandaba de un exagerado parloteo? Yo esta vez me quedo a medias entre una película con una premisa muy interesante, pero que le faltó ser más atrevida, tal vez satírica o más accionaria.